Od samego początku rozwoju fotografii fotografia martwa natura zawsze była szczególnie popularna, a wszystko dzięki temu, że fotografowane obiekty są statyczne i nieruchome, a można z nimi eksperymentować bez ograniczania się w czasie i pomysłach - po wszystko, pierwsze aparaty miały bardzo długą ekspozycję, co komplikowało zadanie fotografowania dynamicznych scen. Dziś, prawie dwa wieki później, sztukę fotografii nadal uzupełniają ciekawe ujęcia z wszelkiego rodzaju przedmiotami, ułożonymi w określony sposób i z konkretną koncepcją. Wielu fotografów preferuje ten gatunek od wszystkich innych, ponieważ praca w nim nie zna granic.

Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że fotografowanie w martwej naturze obiektów statycznych to sprawa prosta i szybka, ale w rzeczywistości wszystko okazuje się zupełnie inne. Trudności zaczynają się od samego początku, przy wyborze niezbędnych przedmiotów i ich rozmieszczeniu zgodnie z wszelkimi prawami kompozycyjnymi, a kończą się ułożeniem światła i wyborem zwycięskiego kąta strzału, który w końcu trzeba pokonać wysokiej jakości obróbką obrazu . Fotografowie spędzają na takiej pracy godziny, a nawet cały dzień, inaczej nie dostaną profesjonalnych ujęć.

Funkcje fotografowania martwych natur

Zaletą pracy z martwą naturą jest to, że nie trzeba szukać specjalnego miejsca do filmowania ani góry profesjonalnego sprzętu. Nawet środowisko domowe jest odpowiednie jako lokalizacja: wybierz miejsce oświetlone światłem dziennym lub użyj lampy błyskowej, sam wybierz i zbuduj odpowiednie tło - i możesz robić zdjęcia.

W przeciwieństwie do fotografowania, na przykład portretów i krajobrazów, potrzebujesz znacznie mniej dodatkowych szczegółów. Ale główna różnica polega na tym, że będziesz miał tyle czasu, ile potrzebujesz na pracę, ponieważ interakcja z tematem jest znacznie łatwiejsza: możesz je przestawiać, usuwać niepotrzebne, dodawać nowe, wypróbowywać nieskończoną liczbę kątów i urzeczywistniać dowolne pomysły . Z ludźmi, których zasoby energetyczne są ograniczone, takich możliwości strzelania nie będzie.

W sesji zdjęciowej ludzi, zwierząt lub krajobrazów fotografowie często muszą robić wszystko niemal w biegu, ale w przypadku obiektów nieożywionych wszystko jest inne: można przemyśleć każdy najmniejszy szczegół i stworzyć naprawdę doskonały obraz.

Między innymi fotografia martwej natury zawsze była doceniana w fotografii komercyjnej, więc dobre ujęcia mogą przynieść nie tylko przyjemność estetyczną, ale także dobry zysk. We współczesnym świecie ukazuje się coraz więcej czasopism, katalogów i innych publikacji o różnej orientacji, w których konieczne jest pokazanie szerokiej gamy przedmiotów i towarów: żywności i dań gotowych, napojów, akcesoriów, odzieży, wnętrz przedmioty i wiele więcej. Takie zdjęcia można niezależnie promować w Internecie za pomocą specjalnych giełd i innych zasobów.

Co fotografować?

Dla wielu gatunek martwej natury w fotografii wydaje się klasyczny, standardowy i przewidywalny, w którym głównym miejscem kadru są warzywa, owoce czy kwiaty. Tak naprawdę to, co fotografować, zależy tylko od Twojej wyobraźni i upodobań. Rozejrzyj się i poszukaj przedmiotów, które mogą opowiedzieć Twoją historię, bez względu na to, jak są niezwykłe. Rzeczywiście, tutaj, jak w każdym innym gatunku, jest miejsce na oryginalność i kreatywność.

Niezwykłe lub ciekawe rzeczy do robienia zdjęć można znaleźć wszędzie: na spacerze, w kawiarni i nie tylko. Zapamiętaj lub zapisz pomysł, który pojawia się w Twojej głowie, gdy zobaczysz przedmiot, który Ci się podoba i spróbuj przełożyć go na środowisko domowe. Początkującym zaleca się zacząć od prostszych przedmiotów, unikając szkła i metalu, do których trudno dobrać oświetlenie. Po przećwiczeniu czegoś zrozumiałego możesz wybierać bardziej złożone kształty, łącząc ze sobą obiekty w korzystne kombinacje.

Konfiguracja oświetlenia

Zaletą fotografii martwej natury jest to, że nie trzeba kupować drogiego sprzętu oświetleniowego, jak to jest potrzebne w fotografii studyjnej. Pamiętaj, że masz pełną kontrolę nad całym przepływem pracy, więc poradzisz sobie ze światłem przy minimalnym sprzęcie w domu.

Możesz użyć nie tylko dowolnego sztucznego źródła światła, ale nawet naturalnego światła dziennego. W pierwszym przypadku możesz po prostu zablokować dostęp światła dziennego, szczelnie zasłaniając okna roletami i zasłonami, aranżując całe światło w sztuczny sposób. W przypadku światła dziennego wystarczy wybrać najjaśniejszy punkt w pomieszczeniu, w pobliżu okna, którego nie zasłaniają drzewa, budynki ani inne przeszkody.

Niektórym może się wydawać, że nie da się robić dobrych zdjęć zwykłymi żarówkami, ale tak nie jest. Najważniejsze jest nauczenie się pracy ze sztucznymi źródłami światła, eksperymentowanie z ich rozmieszczeniem. Można oświetlić przedmiot nie tylko od przodu, co może być dość nudne, ale także z boku, a nawet od tyłu, uzyskując ciekawe efekty. Ale jeśli masz wysokiej jakości i mocne źródło naturalnego światła, nie zaniedbuj go, ale spróbuj użyć go do fotografowania obiektów: można je uzupełnić specjalnymi reflektorami lub połączyć z lampą.

Odbłyśnik można wykonać samodzielnie za pomocą kartonu i folii.

Praca z widokami

Doskonałym pomocnikiem w fotografowaniu obiektów statycznych i martwych natur jest specjalny statyw do aparatu, który pozwala pewnie trzymać go w pożądanej pozycji i wykonywać zdjęcia nawet przy bardzo długim czasie naświetlania. Oprócz tego można dokupić pilota, który pozwoli na oglądanie strzelaniny z boku.

Jak najlepiej wykorzystać mój statyw? Za jego pomocą można obserwować fabułę i korzystać z wielu ciekawych kątów - najważniejsze jest, aby nie zapomnieć o ich zmianie, w przeciwnym razie aparat może stać w jednej pozycji przez całą sesję zdjęciową, z której będą przedstawiane zdjęcia. taki sam typ. Statyw fotograficzny powinien podkreślać różnorodność kątów fotografowania, a nie ograniczać w żaden sposób Twoje pomysły. Zmieniaj położenie aparatu, przestawiaj statyw w najbardziej nieoczekiwane miejsca, zmieniaj oświetlenie i ustawienia – wszystko to pomoże stworzyć różnorodne ujęcia, na które chcesz patrzeć.

Podczas przenoszenia sprzętu należy uważać, aby nie zasłaniać oświetlenia.

Jakie tło do sfotografowania?

Właściwy dobór tła do martwej natury odgrywa ważną rolę w tworzeniu wysokiej jakości obrazu. Tło powinno być proste i neutralne, aby nie odciągać uwagi od tematu. Wybierając tło, zatrzymaj się na ścianie w jednolitym kolorze, a jeśli go nie ma, użyj białego kartonu lub innego odpowiedniego koloru. Możesz również zastosować lekki i nienarzucający się wzór, ale tylko wtedy, gdy nie odstaje on zbytnio, zaburzając harmonię obrazu.

Wybierając odcień tła, zwróć uwagę na to, jak współgra on z fotografowanymi obiektami. Możesz wybrać neutralny biały kolor lub bardziej złożony odcień, który uzupełni obraz.

Jeśli fotografujesz małe obiekty, tło może nie być potrzebne. Wystarczy wybrać powierzchnię, na której umieścisz wybrany przedmiot. Popularną opcją w tym przypadku jest czarny aksamitny materiał, który doskonale wchłania kolor i równomiernie się prezentuje.

Zasady kompozycyjne

Jak w przypadku każdego innego rodzaju fotografii, kompozycja fotografii odgrywa ważną rolę w martwej naturze. To ona w dużej mierze decyduje o tym, czy obraz się wyjdzie, czy nie. Odpowiednio dobrana kompozycja sprawi, że Twoja praca będzie wyjątkowa, interesująca dla widza i zapadająca w pamięć.

Najważniejszą zasadą, jaką zna każdy fotograf, jest zasada trójpodziału. Podążaj za nim, a będziesz miał zdjęcia, na które przyjemnie się patrzy. Nie zapominaj też, że rama powinna być skomponowana w taki sposób, aby nie było szczegółów rozpraszających istotę, a jedynie wszystko, czego potrzebujesz: wybierz główny temat i tło.

Aby stworzyć piękne zdjęcia, wykorzystaj całą swoją wyobraźnię i nie bój się niestandardowych rozwiązań. Zastanów się, na co patrzy widz podczas oglądania zdjęcia, jak wykorzystana jest pusta przestrzeń w kadrze i czy warto ją wypełnić. Trzeba włożyć dużo pracy i zrozumieć, jak zaprezentować fotografowany przedmiot w jak najlepszym świetle, ukazując nie tylko jego piękno, ale także oddając sens nadany pracy. Tak, trzeba też popracować nad kontekstem: trzeba zdecydować, czy obiekt sam będzie dobrze wyglądał, czy warto dodać do niego dodatkowe szczegóły. Dopiero po przeanalizowaniu wszystkich powyższych punktów będziesz w stanie stworzyć idealną ramę z kompozycyjnego punktu widzenia.

Błędy w fotografii martwej natury

Każdy fotograf, który dopiero zaczyna swoją przygodę z fotografowaniem obiektów statycznych i martwych natur, ma do czynienia z mniej więcej tym samym zestawem błędów, co pozostali. Nie denerwuj się, jeśli na początku napotkasz trudności, ponieważ uczą nas prawidłowego zrozumienia procesu fotografowania i pracy ze wszystkimi subtelnościami i niuansami fotografowania martwej natury. Warto przeanalizować najczęstsze przyczyny, przez które popełniane są błędy i niedociągnięcia w pracy.

1. Za mało praktyki ... Wszystkie umiejętności i doświadczenie zdobywa się dopiero podczas procesu filmowania, więc trzeba trenować i wypełniać rękę tak często, jak to możliwe. Fotografując w wolnym czasie, wkrótce nauczysz się dostosowywać ustawienia aparatu i pracować z wieloma parametrami. Obejmuje to również pracę z kompozycją: im więcej eksperymentujesz, tym szybciej zaczynasz rozumieć zasady kompozycji i wizji.
2. Nieprzepracowany pomysł ... Wszystko zaczyna się od pomysłu i dopiero po utworzeniu jasnego pomysłu na przyszłą fotografię wybierane są dla niej obiekty i detale, a także tło. Przesłanie artystyczne i ukryte znaczenie są bardzo ważne, bez nich cały proces kręcenia „czegoś” zakończy się fiaskiem.
3. Słaba wydajność oświetlenia ... Musisz wyraźnie zobaczyć, że nie ma nadmiaru ani braku światła, w przeciwnym razie każdy, nawet najbardziej oryginalny i kreatywny pomysł zostanie zrujnowany. Możesz używać światła dziennego, specjalnych zewnętrznych lamp błyskowych, lamp, a nawet świec - o ile obiekt jest odpowiednio oświetlony. Pamiętaj, że praca z reflektorami poprawi wynik, dlatego staraj się nie używać bezpośredniego światła.
4. Praca ze złożonym sprzętem ... Początkujący i każdy inny fotograf nie musi gonić za drogim sprzętem – dobre ujęcia z martwą naturą uzyskuje się nawet przy minimalnych kosztach. Jakość obrazu zależy od umiejętności, a nie od tego, ile pieniędzy zainwestowano w pracę.
5. Nieprzestrzeganie integralności stylu ... Zawsze możesz eksperymentować z kolorami, kombinacjami obiektów, tekstur i tekstur, kształtów. Nie należy jednak próbować wciskać w obraz przedmiotu, który absolutnie nie pasuje do kompozycji pod względem stylu, epoki lub innych oczywistych parametrów.
6. Błędy wyboru tła ... Tło zdjęcia to wcale nie drobnostka, ale detal, który łatwo może „zabić” fotografię, sprawić, że będzie nieestetyczna, a nawet odrażająca. Podejdź ze szczególną ostrożnością przy wyborze tła dla martwej natury: jeśli w żaden sposób nie pasuje do pomysłu i kompozycji, wybierz neutralne odcienie, które nie zwrócą na siebie uwagi. Na przykład możesz wybrać biel o prostej fakturze.

Najważniejszą rzeczą, którą musisz wiedzieć o udanej i wysokiej jakości fotografii martwej natury, jest próba ciągłego fotografowania, wypełniania dłoni przy każdej okazji, a nawet na dowolnych przedmiotach, a następnie możesz osiągnąć dobre wyniki w tym rzemiośle, a nawet zacząć robić pieniądze na to.

Martwa natura jako gatunek sztuki pojawiła się w odległym XV wieku i miała wtedy bardzo wyraźne konotacje religijne. Wiele wizerunków świętych zostało oprawionych w kompozycje kwiatowe. Już w XVII wieku martwa natura ostatecznie ukształtowała się jako gatunek, jednocześnie powstały podstawowe zasady kompozycji i technik klasycznych.

Martwa natura nie straciła na popularności od czasu pojawienia się fotografii, mimo że większość dzisiejszych fotografów przyciąga możliwość fotografowania w akcji. Mistrzowie starają się nakręcić coś chwilowego i nieoczekiwanego, statyczne obrazy są dla wielu mniej atrakcyjne i interesujące.

Ktoś może błędnie pomyśleć, że fotografowanie martwych natur nie jest trudnym rodzajem fotografowania, bo może wydawać się, że fotografowanie czegoś, co się nie rusza i nie zmienia w czasie, nie jest takie trudne. W rzeczywistości fotografie martwej natury powstają w wyniku długiej monotonnej pracy. Fotograf martwej natury musi cały czas pracować ze światłem i przedmiotami. Okresowo zmienia tematy, tła i kąty.

Jako świetne przykłady fotografii martwej natury pokażemy Ci zdjęcia Paulette Tavormina- słynny fotograf z Nowego Jorku. Mieszkając w dużym mieście, Paulette znalazła własny sposób na ucieczkę od zgiełku i szarości. Znika na godziny we własnym studio, filmując martwe natury warzyw, owoców i kwiatów. Fotografie Paulette Tavorminy nawiązują do klasycznych przedstawień klasycznego malarstwa. Są bardzo artystyczne i hipnotyzujące.

Paulette Tavormina tworzy również niesamowite kompozycje kwiatów, roślin i małych owadów na samolocie. Obrazy bardziej przypominają ilustracje z książek botanicznych lub niesamowite wzory roślinne.

Zdjęcia Paulette Tavorminy znajdują się w muzeach, zbiorach firmowych i prywatnych, były prezentowane w Paryżu, Londynie, Moskwie, Nowym Jorku, Los Angeles, Miami i Chicago. Paulette jest fotografem samoukiem, sama opracowała swoją unikalną technikę fotografowania martwych natur, studiując na zdjęciach holenderskich mistrzów.

Wzory roślinne

Malownicze martwe natury z XIV wieku opowiadały o przemijaniu wszystkiego, co ziemskie i nieuchronności śmierci. Były wypełnione symbolami, których znaczenie jest dziś trudne do zrozumienia dla przeciętnego widza. A o czym mówi nam współczesna fotograficzna martwa natura? Jakie są tematy niepokojące fotografów pracujących w tym gatunku? O tym dowiemy się na seminarium.

CZEGO SIĘ UCZYSZ?
- Czy główne motywy martwych natur zachowały się ze średniowiecza? O czym dziś opowiadają utwory z tego gatunku?
-Co jest lepsze dla martwej natury - owoce, motyle, kwiaty czy śmieci?
-Czy potrafisz skomponować martwą naturę z tysiąca przedmiotów?
-Kto robi najbardziej skandaliczne martwe natury?
-Czy można fotografować martwe natury pod wodą i co z tego wynika?
- Czy dobrze jest robić zdjęcia skomponowanych kompozycji, czy lepiej jest szukać kompozycji, które same się uformowały?
- Czy można używać Photoshopa podczas rysowania martwej natury, czy wszystko powinno być „sprawiedliwe”?

DLA KOGO TO JEST?
Seminarium przeznaczone jest dla szerokiego grona słuchaczy i nie wymaga specjalnych umiejętności. Lekcja nie będzie nudna dla nikogo z obecnych, wystarczy zainteresowanie współczesną fotografią.

Informacje wideo
Nazwa: Fotografia jako sztuka współczesna: martwa natura
Andrzej Zeigarnik
Wydany: 2017
Gatunek muzyczny: Seminarium
Język: Rosyjski
Wydany: Rosja
Czas trwania: 02:21:54

Plik
Format: MKV
Wideo: AVC, 1440x900, ~ 997 kb/s
Audio: AAC, stratne Kb/s, 48,0 KHz
Rozmiar pliku: 1,1 GB

W latach 70. w kulturze zachodniej, rzucając wyzwanie współczesnej sztuce abstrakcyjnej, pojawił się nowy nurt w malarstwie – fotorealizm (lub hiperrealizm, superrealizm). Ogromne płótna malarstwa olejnego, które tylko rozmiarem różnią się od fotografii. Czegoś takiego w sztuce jeszcze nie było – artyści nie za podstawę przyjmowali życie, ale fotografię, zresztą codzienną, amatorską fotografię. W obrazach fotorealistów jest banalna codzienność, bezosobowa, dwuwymiarowa, zimna, bezosobowa, pozbawiona emocji rzeczywistość, przepuszczona przez fotografię. Superrzeczywistość łączy się z dystansem przy kopiowaniu takich fotografii. Ideologia fotorealizmu polega na uznaniu, że reklama, telewizja, a przede wszystkim fotografia w swoich różnych przejawach tak dominują w wizualnej percepcji współczesnego człowieka, że ​​wypierają rzeczywistość jako taką. Fotografia jest przedmiotem równie realnym i ważnym jak rzeczywistość - fotografia jest często nawet bardziej przekonująca niż sama rzeczywistość. Omawiając zasady współczesnej percepcji wizualnej i rolę artysty w społeczeństwie, fotorealizm stał się pierwszą sztuką konceptualną.
Fotorealizm udowodnił, że fotografia jest najbardziej adekwatnym językiem wizualnym dla współczesnej świadomości i percepcji, podstawą wszelkiej współczesnej kultury wizualnej.

Ralph Goings. „Niebieski serwetnik”. 1980 g.

Ralph Goings.

Fotografia współczesna (współczesna) powstała w latach 90., kiedy artyści zaczęli pracować z fotografią jako mediami. Fotografia współczesna nie istnieje poza kontekstem i jest niezrozumiała dla nieprzygotowanego widza. Fotografia przestała być przedmiotem estetycznym. Całą współczesną fotografię można podzielić na dwa obszary:
1. Fotografia konceptualna (sam się analizuje);
2. Fotografia interdyscyplinarna (dyscyplinami pokrewnymi mogą być: nauka, kultura, socjologia; np. badania społeczne czy dialog kulturowy z fotografią klasyczną).

Równolegle z fotografią współczesną istnieje sztuka piękna (sztuka piękna, sztuka o pięknie), której jedynym zadaniem jest przekazanie piękna otaczającego świata. Sztuka nie dotyczy fotografii współczesnej.

Fotografia konceptualna to fotografia o fotografii, sztuka analizująca sztukę. Jest zajęta odkrywaniem siebie: własnego języka, funkcji, roli, natury.
Głównym zadaniem artysty jest skłonienie widza do zastanowienia, a fotografia konceptualna stawia raczej pytania niż odpowiedzi. Kiedy powstaje fotografia, trwają badania, rozumowanie, są one ważniejsze niż efekt końcowy - sama fotografia. Fotografia to po prostu media, wizualna forma wyrażania myśli, poszukiwania artysty.
Cykl we współczesnej fotografii nabiera nowego znaczenia – nie jest historią fotografii, jak w modernizmie, ale typologią, jak u Karla Blossfeldta. Z wyjątkiem niektórych autorów, artyści pracują w seriach (wypowiedź rodzi się dopiero w serii), gdzie każde zdjęcie zrobione z osobna nie jest rodzajem opowieści.

Początkowo fotografia konceptualna była nieestetyczna, dokumentalna i nieciekawa malarsko. W ten sposób artyści zdefiniowali nowy język fotografii, nowy cel. Usuwając z obrazu wszystkie zwykłe wyzwalacze klasycznej fotografii („decydujący moment”, kompozycja, emocje, gesty, rozpoznawalna scena, podkreślenie tego, co najważniejsze), artyści starali się skłonić widza do spojrzenia na samą fotografię, do zastanowienia się nad jej naturą. Fotografia konceptualna jest nieoceniająca, sucha i odległa.

Później pojawiła się tzw. „fotografia postkonceptualna”, która stała się bardziej powszechna z estetycznego punktu widzenia i kosztowna w produkcji, co w konsekwencji wpłynęło na cenę końcowego dzieła sztuki. Z reguły takie prace, po fotorealizmie, o ogromnych rozmiarach, kręcone są na aparatach wielkoformatowych i drukowane w taki sposób, aby widoczne były najdrobniejsze szczegóły. Dzięki takiemu sposobowi przedstawienia obrazu, fotografia w jak największym stopniu zbliża się do rzeczywistości, pozwalając widzowi na dzielenie się rzeczywistością przedstawioną na fotografii. Hiperdetaliczność daje hipertroficzną hiperrzeczywistość. Jednocześnie wielu artystów wykorzystuje estetykę fotografii amatorskiej do przekazywania swoich pomysłów.

Artyści używają w fotografii nowoczesnego języka, chyba że nawiązują dialog kulturowy z historią sztuki lub historią fotografii.

Konceptualne podejście do fotografii mogło początkowo osłabić zainteresowanie gatunkiem martwej natury. Mimo to, dzięki niektórym artystom, fotograficzna martwa natura otrzymała nowy etap rozwoju. Na przykład Jan Grover (1943-2012) przekształcił przybory kuchenne w kunsztowne kompozycje. Grover często przedkłada formę nad treść, prawie eliminując temat ze swoich prac. Jej kompozycje często składają się jedynie z krawędzi przedmiotów, wyciętych nie do poznania. Tekstura jest tak samo ważna jak forma. Fotografie z tej serii Grovera są mniej przyborami kuchennymi, a bardziej złożonymi, czasem abstrakcyjnymi przedstawieniami przestrzennych aranżacji z wykorzystaniem kształtu, koloru i faktury.

Jana Grovera. Nieuprawny. 1978 rok

Twórczość szwajcarskich artystów Petera Fischli (ur. 1952) i Davida Weissa (1946-2012) zakłada fotografię jako środek, za pomocą którego artysta jest w stanie przedstawić to, co zwyczajne, ale w ich przypadku jest ono przekrzywione, konwencjonalne, wątpliwe. W swoim cyklu „Równowaga / Ciche popołudnie” wzięli przedmioty codziennego użytku i balansowali je w niestabilnych strukturach w taki sposób, że dziwne rzeźby balansują na krawędzi zniszczenia. Ich rzeźby, nie podlegające działaniu grawitacji, mają pikantną kruchość i kruchość, a kamera uczyniła je wiecznymi.

Petera Fischli i Davida Weissa. Ciche popołudnie. 1984-1985

Nobuyoshi Araki (ur. 1940), okrzyknięty geniuszem i największym żyjącym japońskim fotografem, szczególnie interesuje się tematami kobiecości, kobiecej sylwetki i seksu. Za pomocą dojrzałego, lekko pomarszczonego rdzenia owocu Araki naśladowało kształt żeńskiego organu. Tworząc serię Erotos w 1993 roku, Araki wymyślił nazwę łączącą dwa motywy, które odgrywają kluczową rolę w jego sztuce: motywy Erosa i Tanatosa (według teorii Freuda Eros oznacza miłość, tworzenie, seks, życie, Tanatos " - pragnienie okrucieństwa, agresji, sadyzmu i śmierci). Na fotografiach Arakiego te siły zderzają się ze sobą: źródłem męskiej żądzy staje się owoc, który już zaczął pleśnieć i gnić. Krytyk sztuki Jerry Badger powiedział: „Pornografia jest naprawdę w oczach widza”.

Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993 rok

Zdjęcie Margriet Smulders „Miłość zwycięża wszystko” wywołuje sprzeczne uczucia. Widać w nim wpływy malarstwa z XVII wieku i słychać echa tematu domowego komfortu. Piękno łączy się tu nierozerwalnie z więdnięciem. Kwiaty na zdjęciach, które Smulders często robi za pomocą luster, wydają się kruszyć. Ona sama nazywa kwiaty „aktorami”, przedstawiając „cały świat, ze wszystkimi związkami i dramatycznymi sytuacjami”. Na tym zdjęciu wyczuwalne jest niejasne zagrożenie: tu i ówdzie w kompozycji przecinają się zakrzywione gałęzie, a wodnista niebieska pustka pośrodku grozi zalaniem całego obrazu i zniszczeniem delikatnych kwiatów. Smulders pracuje w klasycznym gatunku martwej natury, ale przerysowane, nierealistyczne kolory tworzą dramatyczny efekt, którego zwykle nie można znaleźć w fotografii kwiatowej. Jak wielu współczesnych fotografów, Smulders widział śmierć w naturze i nieuchronność rozkładu. Kwiaty na jej zdjęciu wydają się być oddzielnymi częściami ciała, jak zęby i języki, które są skazane na próchnicę. „Bujne i niezwykle erotyczne obrazy przenoszą Cię w inny wymiar. Ogromne lustra, pretensjonalne szklane wazony, gęste draperie, owoce i cięte bukiety – z tego są wykonane te „płótna” – mówi o swoich pracach sama Margriet Smulders.

Margriet Smulders. "Miłość wszystko zwycięża." 125x1100 cm Fragment. 2005r

Praca ta jest w dobrej rozdzielczości na stronie autora http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 tam można ją przewijać w dogodnym tempie i przyklejać do dowolnej części
Wspaniała strona Smulders z innymi pracami http://www.margrietsmulders.nl

Amerykański fotograf James Welling (ur. 1951) nazywa swoją praktykę „odrodzeniem modernizmu, ale w kontekście historycznym”. Seria Kwiatów to głęboka analiza przeszłości fotografii, jej statusu w miarę ewolucji. Welling umieszcza sadzonki roślin na czarno-białym filmie i naświetla je, ich białe cienie odbijają się na czarnym negatywie. Następnie, za pomocą filtrów barwnych o różnych kształtach, ponownie się odsłania. Rezultatem są jasne fotogramy kwiatów - ich ciemne kontury na białym tle z mnóstwem delikatnych, błyszczących odcieni. John Herschel jest autorem terminu „fotografia” (piszę światłem), natomiast William Henry Fox Talbot zaproponował inny termin – „sciografia” (sztuka cieni). Seria Kwiatów jest owocem obu definicji: w pierwszym etapie (tworzenie negatywu) wykorzystywany jest cień rośliny, w drugim (tworzenie kolorowego pozytywu) cień wypełnia się jasnym światłem, dając początek fotografia. Welling przypomina nam, że cień odgrywa w fotografii równie ważną rolę jak światło. „Nie chodzi o to, że nie jestem zainteresowany treścią, ale treść nie jest jedyną rzeczą, która nadaje sens fotografii” – mówi Welling.

Jamesa Wellinga. Z serii „Kwiaty”. Autorska technika fotogramu. 2006 rok
Fotogramy kwiatów na stronie Wellinga, gdzie można znaleźć inne projekty http://jameswelling.net/projects/17

Monumentalne abstrakcje Christiana Marklei (ur. 1955) - „Przypomnienie (przetrwanie najsilniejszych)”. Nazwa służy jako wskazówka - przypomnienie zagrożonych mediów. Przy bliższym przyjrzeniu się, pęknięte kasety stają się zauważalne, staje się jasne, że odwinięta taśma magnetyczna rozciąga się wzdłuż całego obrazu. Za aluzję do teorii Darwina i „wyginięcia” kaset Markle umiejętnie odtworzył prawie wymarłą XIX-wieczną technologię cyjanotypowania i naśladował „wymarły” styl abstrakcyjnego impresjonizmu i Jacksona Pollocka.

Christiana Markle. „Najsilniejszy przetrwa”. Cyjanotypy. 2008 r.

„Promieniowanie emanuje z prawdziwego ciała”, które tam było, które mnie dotyka, co jest w innym punkcie; moim spojrzeniem ciało fotografowanej rzeczy łączy pozory pępowiny – napisał Roland Barthes, a jego słowa przypominały stwierdzenie Susan Sontag, że „fotografowanie pozwala obiektowi na nim przedstawionemu dotykać nas jak spóźnione promienie gwiazd”. Trop, wskazówka, wątek łączący fotografię z rzeczywistością ciekawie splata się z twórczością brytyjskiego fotografa Richarda Learoyda (ur. 1966). W swoim warsztacie opracował zupełnie nową technikę fotograficzną. Wykorzystując przestrzeń jako ciemnię, tworzy ogromne płótna na pozytywowym papierze fotograficznym. Światło odbijające się od obiektu jest tym samym, co świeci w twoich oczach. Jak powiedziałby Barthes, podmiot i widz są połączeni pępowiną zbudowaną z fotonów. Odbicia lustrzane Leroyda wydają się niewiarygodnie bliskie; takie fotografie pierwsi teoretycy fotografii nazywali „szaleństwem materii” lub, jak powiedział André Bazin, „halucynacją, która jest jednocześnie prawdziwa”.
Na zdjęciu "Bloki betonowe z zającem" martwe ciało zająca "podtrzymuje" betonowe klocki w stanie półzawieszenia, przedstawiając zamrożoną parodię życia. Reprodukcje Leroyda, podobnie jak wielu innych współczesnych artystów, rzadko trafiają do odbiorców. Jego innowacyjna technika fotograficzna pozwala mu tworzyć monumentalne obrazy z niewiarygodnie ostrymi szczegółami, nawet oglądane z bliska. Widzów przyciągają ogromne płótna z hiperrealistycznymi obrazami. Na prezentowanej fotografii taka siła obecności, taka wiarygodność tworzy ostry kontrast z martwym ciałem martwego zwierzęcia. Użycie przez Leroyda pozytywowego papieru fotograficznego przywodzi na myśl jedną z najwcześniejszych form fotografii (która stała się popularna przy fotografowaniu zmarłych): dagerotyp. Światło pada bezpośrednio z obiektu i osadza się na powierzchni dagerotypu, gdzie, jak w technice Leroyda, nie ma negatywu pośredniego.

Richarda Learyda. „Bloki betonowe z zającem”. 2007 rok

Film o Leroydzie i jego aparacie http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Większość prac niemieckiego mistrza Thomasa Demanda (ur. 1964) jest kopiowana z fotografii, w tym z newsów, nabierając potrójnego znaczenia: w rzeczywistości są to fotografie papierowych rzeźb z fotografii oryginalnego wizerunku. Zdanie sobie z tego sprawy prowadzi widza w dół, wzdłuż galerii luster, gdzie staje się widoczna różnica między rzeczywistością a fikcją. Popyt zaczyna od wybrania zdjęcia, a następnie tworzy z papieru i tektury trójwymiarową kopię naturalnej wielkości, którą niszczy po sesji. Oryginalne fotografie często przedstawiają słynne wydarzenia, gdyż w swojej pracy „Polling Center” odwzorowuje zdjęcia Centrum Operacji Kryzysowych w Palm Beach, gdzie w latach 2000. odbyły się wybory prezydenckie. Obraz nasuwa pytanie o proces „kontemplowania papieru z dziurami przez ponad 6 tygodni, kiedy dwie lub trzysta kartek papieru znacząco wpłynęłoby na losy tego świata”. Na pierwszy rzut oka obraz na zdjęciu wygląda jak duże biuro. Jednak po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie telefony są takie same, powierzchnie są płaskie, a to biuro z papieru. Papier jest zarówno obrazem reliefowym, jak i przedmiotem obrazu (głosowania). Demand, subtelnie naśladując rzeczywistość, stawia pytanie o wiarygodność fotografii. Czy możesz zaufać zdjęciom? Czy to, co przedstawia, jest prawdziwe?

Thomas Żądanie. „Punkt wyborczy”. 2001 rok
Demand pracuje na swojej stronie internetowej (nie zapominaj, że to tylko papier) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Ludzie często postrzegają fotografię jako medium informacji, które naprawdę oddaje kawałek świata. Praca Ori Gershta (ur. 1967) komplikuje ten pogląd, zmuszając widza do szukania niespójności między fotografią a ludzkim wzrokiem. Obraz „Eksplozja” z serii „W kółko” pokazuje hiperrealistyczny obraz, który dzieli czas na maleńkie cząstki, co jest poza zasięgiem ludzkiego oka. Wydobywa też na powierzchnię napięcie panujące między pięknem a okrucieństwem. Gersht przyznaje: „Interesują mnie przeciwieństwa – piękno i odrzucenie, jak moment zniszczenia podczas eksplozji bukietu staje się dla mnie momentem stworzenia”. Najpierw Gersht zamroził kwiaty ciekłym azotem, a następnie umieścił malutkie wybuchowe pociski między płatkami i uchwycił moment eksplozji za pomocą szybkich aparatów cyfrowych i specjalnie zaprojektowanego urządzenia elektronicznego, które je wystrzeliło. Bukiet kwiatów został uwieczniony w momencie eksplozji.

Ori Gersht. "Bukiet kwiatów". 2000 rok

Kolejny projekt na stronie Galerii CRG http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (ur. 1965) początkowo studiowała, by zostać artystką, a później przekwalifikowała się na fotografa. Dlatego wyznacza wyraźną granicę między tymi dwoma środkami wyrazu. Wchodząc w dialog z fotorealistami malującymi obrazy z fotografii, Cor tworzy fotografie z obrazów. Obraz „Jabłka” znalazł się w serii „Styl kolonialny”. Patrząc na ten obraz wydaje się, że jest to tylko fotografia obrazu z epoki dawnych mistrzów. „Inscenizuję »rzeczywistość« dziewiętnastowiecznego malarstwa pod względem oświetlenia, pomysłu i skali … aby skończyć z iluzorycznym obrazem innej epoki”. Jej inspiracją była Rafaelle Peale, autorka ponad stu martwych natur powstałych w latach 1812-1824. Odtwarzając w swojej pracowni kompozycję z obrazu Peale, Cor próbowała przekształcić trójwymiarowe obiekty w wytłoczone dwuwymiarowe powierzchnie z obrazu artystki. Jej technika wyznacza śmiałą granicę między fotografią a malarstwem, pozostawiając widzom zastanowienie się nad gatunkiem dzieła i rolą autentyczności.

Sharon Kor. "Jabłka". 2009 r.

Praca Laury Letinsky (ur. 1962) „Bez tytułu nr 23” swoim stylem przypomina starą martwą naturę, w której wyraźnie widać tradycję holenderską i flamandzką. Przyznaje, że jest pod wpływem dziwacznej mieszanki północnego i południowego renesansu, a jej kreacje odzwierciedlają to „niejednoznaczne, niepokojące i ciężkie” poczucie przestrzeni. Kompozycje Letińskiego prezentowane są w naturalnym świetle. Dla niej światło jest także aktorem, „niekontrolowanym… Światło potrafi zaskakiwać”. W większości swoich prac używa porannego światła, ale w serii Pies i Wilk zdecydowała się na aksamitną poświatę zmierzchu i bardzo długi czas otwarcia migawki. Tytuł serii jest aluzją do francuskiego powiedzenia o zmierzchu, czasach czarów, kiedy psy zamieniają się w wilki.
Jej wielkoformatowe fotografie tworzą atmosferę namacalności i intymności, jakby wystarczyło sięgnąć, by sięgnąć
Przedmiot. „Byłem zdumiony, że Ostatnia Wieczerza to scena posiłku, w której jedzenie na stole pełni rolę dodatkowej, odgrywa rolę drugoplanową. I pomyślałem, co by się stało, gdyby główni bohaterowie zostali usunięci, a wszystko inne zostało tak, jak jest ”. Główny nacisk kładzie na ideę, że fotografia pokazuje coś, czego już nie ma.
Wyrzucona skórka na wpół zjedzonej pomarańczy i porozrzucane skorupki pistacjowe – cała scena przypomina nieoczyszczony stół po obiedzie. „Fotografuję resztki jedzenia i szumowiny, aby przeanalizować związek między dojrzałością a zniszczeniem, wyrafinowaniem a niezdarnością, kontrolą a przypadkowością”. Perspektywa obrazu jest dość nietypowa: stół wygląda geometrycznie nieproporcjonalnie, a pistacje na podłodze praktycznie zlewają się z muszlami na stole. Upiorna kompozycja Letińskiego tworzy przytłaczającą atmosferę niepewności i braku obecności człowieka w przeszłości. „Zastanawiam się, co wydarzyło się „po”, co zostało… a co bezpowrotnie minęło”.

Laura Letinsky. „Bez tytułu nr 23”. 2009 r.

Każdy autor ma własne podejście do martwej natury, każdy rozwiązuje własne problemy przy użyciu unikalnych metod pozyskiwania obrazów i form prezentacji. Ale w każdym razie we współczesnej martwej naturze, jak we wszystkich nowoczesnych fotografiach, pomysł wysuwa się na pierwszy plan. W zależności od wypowiedzi dobierany jest sposób realizacji (inscenizowany lub dokumentalny) oraz sposób prezentacji finalnego obrazu (plastyfikacja, lightboxy, autorskie fotoksiążki, obrazy uzyskane alternatywnymi metodami druku lub przy użyciu pierwszych technologii fotograficznych itp.).

Rozważmy zastosowanie i łączenie różnych typów kompozycji w zależności od wybranego wizerunku i intencji na przykładach.

Martwa natura nazywa się „Historia zapomnianej latarni w podróży”.
Przy tworzeniu tej martwej natury przedmiotów wykorzystano jedynie płonącą latarnię, którą przeniesiono na brzeg zaśnieżonego zbiornika. Następnie w Photoshopie dodałem fakturę okładki starej książki, zaakcentowałem płomień.
Pomysł był bardzo ważny przy wyborze kompozycji martwej natury. Powinno być minimum obiektów, aby nic nie odwracało uwagi od głównego obiektu, a punkt widzenia dobrano tak, aby krajobraz w tle był czytelny z wychodzącej perspektywy wybrzeża. Mapowanie tekstur sprawia, że ​​zdjęcie jest bardziej dramatyczne. Kompozycja jest ukośna, liniowa, aby podkreślić kształt obiektów i linię wybrzeża. Główny akcent kompozycji - ogień, znajduje się na przecięciu linii złotego odcinka. Większa część kompozycji jest przesunięta do lewej krawędzi, w wyniku czego oko od ognia nadal podąża wzdłuż linii brzegowej do prawego górnego rogu, szukając tam przeciwległego balansującego po przekątnej miejsca. Takim miejscem mógłby być statek na horyzoncie, którego brak by potęgować poczucie samotności w pracy.

Martwa natura nazywa się Symfonia w czerwieni i złocie. Tytuł i styl pracy inspirowane są twórczością Whistlera, artysty, który zajmował się problematyką harmonii kolorystycznych jako kluczowych elementów projektowania artystycznego. Swoje utwory często nazywał „symfoniami”. Kompozycja zbudowana jest w owalu dla podkreślenia miękkich, zaokrąglonych kształtów przedmiotów, kształt owalu kontynuuje się w oknie zegara. Kontury przedmiotów są zmiękczone, rozmyte, powstaje efekt zamglenia, blasku, prawie sen. Same przedmioty wybierane są jako symbole wiedzy: pęknięty granat jest strukturą wiedzy, księgi i zwój są jej wynikiem, a zegar (symbol czasu) jest warunkiem koniecznym. Praca opiera się na jedności relacji tonalnych i kolorystycznych (dla ciemnych tonów).

„Historia starego marynarza” lub „Historia starego marynarza”. Historia tej martwej natury jest dość prosta: obiekty wybierane są przez skojarzenia z krajami południowymi, obrabiane w stylu starej fotografii, częściowo barwione. Ale sama martwa natura jest inscenizowana w taki sposób, że jej obiekty w swojej masie wyglądały jak portret (za podstawę przyjmuje się dzieło renesansowego artysty D. Archimboldo). W związku z tym spektakl zawiera podwójne skojarzenie z długą podróżą: przedmioty z „odległych krajów” i narratora – „dziadka podróżnika”.

"Oczekiwanie". Zdjęcie zostało zrobione w Muzeum Samochodów Retro w Moskwie. Zrównoważona kompozycja z tonalnym rytmem sylwetki. Celem pracy jest to, że każdy przedmiot ma swój własny czas. Kompozycja zbudowana jest w taki sposób, aby stworzyć wrażenie stacji, na której pasażerowie (rzeczy) przed tablicą wyników (zegar) czekają na swoją kolej…

"Jesień". Martwa natura na jesienny motyw jest wszędzie bardzo różnorodna, bogata i piękna. Jeśli przypomnimy sobie malownicze martwe natury M. di Caravaggio, to ucieleśniają one całą płodność „jesieni”, triumf Bachusa. Dlatego kompozycja tej martwej natury opiera się na technikach stosowanych przez włoskiego artystę. Obiekty przedstawione są w sposób konturowy, dekoracyjny, kompozycja zbudowana na kształt „trójkąta”. Nałożona faktura nadaje również pracy klasyczny wygląd.

„Rumianek” lub „Wiejska martwa natura”. Kompozycja jest również zbudowana w trójkącie, ale główny nacisk kładzie się na oświetlenie – lekkie, ciepłe, miękkie. Jedność relacji tonalnych i kolorystycznych (w jasnych tonacjach) nadaje pracy poczucie spokoju, bezpretensjonalnego, prostego piękna.

"Porzeczka". Fryzowa kompozycja liniowa bardzo dobrze nadaje się do podkreślenia piękna linii pędzli porzeczkowych, gładkości ich przejść. Rytm zaokrąglonych kształtów tworzy wrażenie rozsypanych koralików.

"Wszystko przepadło." Tonalna, fryzowa kompozycja w kształcie trójkąta. Zabrali suszone kwiaty, "zwiędłe" jabłka i wyszczerbiony zakurzony talerz - jako symbole starości. Linie pochylenia kwiatów tworzą „dialog” między przedmiotami, rozmowę, wzajemną pomoc i wsparcie. Akcenty utrzymane są w odcieniach żółci i zieleni.

„Mroźna jesień”. Piękny zimny niebiesko-fioletowy odcień obecny w przedmiotach tworzy atmosferę szlachetności, uczucie lekkiego mrozu i szronu. Oryginalny kolor jabłka przypomina mroźne wzory na szkle.

„Wszystko jest zapomniane”. Liniowa kompozycja konturu powięzi. Suszone kwiaty, „więdnące” jabłka, wyszczerbiony zakurzony talerz to symbole starości. W przeciwieństwie do martwej natury „Wszystko minęło”, nie ma dialogów, więc w tytule brzmi słowo „zapomniałem”. Akcenty utrzymane są w odcieniach żółci i bieli.

Herbata jagodowa. Dynamiczna kompozycja diagonalna, liniowa, zbudowana w rytmie czerwieni, czerni i bieli. Kombinacje kolorystyczne zostały wybrane w połączeniu z herbatą jagodowo-kwiatową - ciepłą, o złożonym czerwono-brązowym odcieniu. Mały nacisk w przetwarzaniu kładzie się na styl retro.

"Jeżyna". Styl retro. Szlachetne ciemne, szkarłatne odcienie jeżyn i kwiatów malwy podkreślone kontrastem z żółtym kolorem kielicha
.

"Symfonia". Kompozycja diagonalna, liniowa. Kwiaty i liście ułożone są w kolejności podobnej do notacji nut. Kwiaty w wazonie symbolizują różne odcienie w muzyce (forte, piano). Draperia w tle zapewnia wsparcie dla linii pierwszego planu.

Praca opiera się na jedności relacji tonalnych i kolorystycznych. Kompozycja liniowa w bliskim zasięgu. Idea porównania dwóch zasad kładzie się w martwej naturze - 1. Kruchość, delikatność, lekkość, ulotność, kruchość (floks), 2. Twardość, wieczność, stałość, statyka (wazon kamienny) i połączenie ich: ciepło, elegancja , plastik i niepowtarzalność konturów kwiatów i linii kolorystycznych kamienia.

„Muszla morska”. Kompozycja zbudowana jest na planie „koła”. Kwiaty to symbole (alegorie) gwiazd morskich, a wazon to muszla. Dodana konsystencja nadaje pracy efekt złocistych i mieniących się w słońcu fal.

"Pasterka". Tutaj ten sam wazon pełni funkcję koszyka. Układ przedmiotów (kwiaty, liście i wazon) jest płaski, dekoracyjny, konturowy. Praca budzi skojarzenia z francuskim malarstwem rokoko.

„Cienie wieczorne”. W tej martwej naturze dla konstrukcji kompozycji ważną rolę odgrywały nie tylko same przedmioty (astry i jabłka), ale także padające z nich cienie, które (z uwagi na swoją wyraźną, czytelną formę) pełnią rolę samodzielną. obiekty strzelania.

„Dla niej…” Tonowe rozwiązanie kompozycji. Martwa natura wykonana jest w stylu starych pocztówek. Kwiaty (duże białe piwonie) w wazonie, sznury białych pereł, pierścionki i kolczyki z perłami - wszystko wskazuje na "kobiecość" martwej natury. Dodana mgła i inne tekstury dodają lekkości i lekkości pracy.

„Naturżów”. Martwa natura dosłownie tłumaczy się jako „martwa natura”. Ale od czasu pojawienia się tego gatunku w sztuce sytuacja zaczęła się zmieniać. W fotografii pojawiła się nowa nazwa tego gatunku - "Martwa natura" - "spokojne życie", coraz więcej eksperymentów. Ideą tej pracy było „narodziny nowej martwej natury”. Kotek w martwej naturze - centrum kompozycji - główny składnik martwej natury. Linearno-tonowa kompozycja zbudowana jest w trójkącie. Jasny ton martwej natury, podświetlone od tyłu włosy kociaka, jego poza to symbole narodzin. Owoce są również małe, aby utrzymać atmosferę.

„Astry”. Klasyczna martwa natura, kształt wazonu podkreślony ciemnym tłem. Kompozycja jest ukośna, przewaga w bukiecie dwóch astry (liliowo-białej) po prawej stronie tworzy opowieść o tym, jak 2 kwiaty wyglądały z tłumu, aby podziwiać siebie w lustrze. A samo lustro w połączeniu z ciemnym tłem nadaje dziełu odrobinę teatralnej oprawy.

Buechera. Klasyczna kompozycja, zbudowana na tonalnych relacjach między przedmiotami, zbudowana jest w kształcie „trójkąta”, w którym ważną rolę odgrywa również jego oś centralna (znajdują się na niej punkty znaczeniowe: głowa dziewczyny w oknie Vermeera, kontrastujące biała kartka na ciemnym tle książki, monety). Dwie świece stojące równolegle i wydobywający się z nich dym nadają kompozycji dynamiczny efekt.

Klasyczna martwa natura z motylem. Kompozycja dwuczęściowa, zbudowana na zjednoczeniu grup obiektów i zakończeniu ich figur kompozycyjnych - grupa nośna (w tej martwej naturze - trójkąt uzyskany z grupy liści) znajduje się wewnątrz głównej (elipsa uzyskana przez ogólne ustawienie obiektów). Kompozycja „konturowa”, „liniowa”. Podpora kolorystyczna lewego dolnego i prawego górnego narożnika (motyl i draperia w tle) to również (wraz z linią wzroku od nosa dzbanka) i dynamiczne wyjście do lewego górnego rogu.

Mamuta. Klasyczna „kompozycja tonalna”, zbudowana w kształcie „trójkąta prostokątnego”. Obiekty martwej natury tworzą dwie zrównoważone względem siebie grupy: grupa I – dwa dzbanki, grupa II – dwa słonie.

Ceramika. Kompozycja „Tone”, zbudowana w owalu. Wyjścia dynamiczne w nim to wizualne linie z liścia klonu, dwoje uszu i uchwyt deski. Przybliżona gama kolorów nie tylko spaja obiekty, ale także podkreśla ich indywidualność, wzmacniając rolę faktury.

Klasyczna martwa natura. Kompozycja „konturowa”, „liniowa”, zbudowana na interakcji dwóch grup obiektów, połączonych w kształty geometryczne: grupa 1 – zbudowana na akcentach w tonacji żółto-zielonej, „półowalna” – główna, grupa 2 – „trójkątna ”, zbudowany na zbliżonej kolorystyce - dodatkowo. Kompozycja zawiera dynamiczne wyjścia w lewy górny i prawy górny róg: listki kwiatowe, uchwyt kosza, nasadkę świecy, uchwyt dzbanka.

Teekane. „Kompozycja tonalna oparta na kontraście jasnych i ciemnych tonów. Główny ośrodek kompozycyjny zbudowany jest według punktów kontrastowych, dodatkowy - według punktów sąsiednich. Rytm kompozycji wyznaczają pasy w tle, one też balansują.

Mandarynki. Stwierdzenie 1. Ukośna kompozycja z grupą obiektów, dodatkowo połączona w figurę geometryczną „elipsę”. Kompozycja jest konturowa, zbudowana na zwartych zestawieniach kolorystycznych.

Mandarynki. Stwierdzenie 2. Dwuczęściowa kompozycja (trójkąt i elipsa), kontur, zbudowana na zwartych zestawieniach kolorystycznych. Wyjścia dynamiczne: 1 - wizualne linie wzdłuż arkusza i szyjki dzbanka do lewego górnego rogu; 2 - wizualne linie wzdłuż skórek mandarynki w lewym i prawym dolnym rogu.