Od samego początku rozwoju fotografii fotografia martwa natura zawsze była szczególnie popularna, a wszystko dzięki temu, że fotografowane obiekty są statyczne i nieruchome, a można z nimi eksperymentować bez ograniczania się w czasie i pomysłach - po wszystko, pierwsze aparaty miały bardzo długą ekspozycję, co komplikowało zadanie fotografowania dynamicznych scen. Dziś, prawie dwa wieki później, sztukę fotografii nadal uzupełniają ciekawe ujęcia z wszelkiego rodzaju przedmiotami, ułożonymi w określony sposób i z konkretną koncepcją. Wielu fotografów preferuje ten gatunek od wszystkich innych, ponieważ praca w nim nie zna granic.

Na pierwszy rzut oka może się wydawać, że fotografowanie w martwej naturze obiektów statycznych to sprawa prosta i szybka, ale w rzeczywistości wszystko okazuje się zupełnie inne. Trudności zaczynają się od samego początku, przy wyborze niezbędnych przedmiotów i ich rozmieszczeniu zgodnie z wszelkimi prawami kompozycyjnymi, a kończą się ułożeniem światła i wyborem zwycięskiego kąta strzału, który w końcu trzeba pokonać wysokiej jakości obróbką obrazu . Fotografowie spędzają na takiej pracy godziny, a nawet cały dzień, inaczej nie dostaną profesjonalnych ujęć.

Funkcje fotografowania martwych natur

Zaletą pracy z martwą naturą jest to, że nie trzeba szukać specjalnego miejsca do filmowania ani góry profesjonalnego sprzętu. Nawet środowisko domowe jest odpowiednie jako lokalizacja: wybierz miejsce oświetlone światłem dziennym lub użyj lampy błyskowej, sam wybierz i zbuduj odpowiednie tło - i możesz robić zdjęcia.

W przeciwieństwie do fotografowania, na przykład portretów i krajobrazów, potrzebujesz znacznie mniej dodatkowych szczegółów. Ale główna różnica polega na tym, że będziesz miał tyle czasu, ile potrzebujesz na pracę, ponieważ interakcja z tematem jest znacznie łatwiejsza: możesz je przestawiać, usuwać niepotrzebne, dodawać nowe, wypróbowywać nieskończoną liczbę kątów i urzeczywistniać dowolne pomysły . Z ludźmi, których zasoby energetyczne są ograniczone, takich możliwości strzelania nie będzie.

W sesji zdjęciowej ludzi, zwierząt lub krajobrazów fotografowie często muszą robić wszystko niemal w biegu, ale w przypadku obiektów nieożywionych wszystko jest inne: można przemyśleć każdy najmniejszy szczegół i stworzyć naprawdę doskonały obraz.

Między innymi fotografia martwej natury zawsze była doceniana w fotografii komercyjnej, więc dobre ujęcia mogą przynieść nie tylko przyjemność estetyczną, ale także dobry zysk. We współczesnym świecie ukazuje się coraz więcej czasopism, katalogów i innych publikacji o różnej orientacji, w których konieczne jest pokazanie szerokiej gamy przedmiotów i towarów: żywności i dań gotowych, napojów, akcesoriów, odzieży, wnętrz przedmioty i wiele więcej. Takie zdjęcia można niezależnie promować w Internecie za pomocą specjalnych giełd i innych zasobów.

Co fotografować?

Dla wielu gatunek martwej natury w fotografii wydaje się klasyczny, standardowy i przewidywalny, w którym głównym miejscem kadru są warzywa, owoce czy kwiaty. Tak naprawdę to, co fotografować, zależy tylko od Twojej wyobraźni i upodobań. Rozejrzyj się i poszukaj przedmiotów, które mogą opowiedzieć Twoją historię, bez względu na to, jak są niezwykłe. Rzeczywiście, tutaj, jak w każdym innym gatunku, jest miejsce na oryginalność i kreatywność.

Niezwykłe lub ciekawe rzeczy do robienia zdjęć można znaleźć wszędzie: na spacerze, w kawiarni i nie tylko. Zapamiętaj lub zapisz pomysł, który pojawia się w Twojej głowie, gdy zobaczysz przedmiot, który Ci się podoba i spróbuj przełożyć go na środowisko domowe. Początkującym zaleca się zacząć od prostszych przedmiotów, unikając szkła i metalu, do których trudno dobrać oświetlenie. Po przećwiczeniu czegoś zrozumiałego możesz wybierać bardziej złożone kształty, łącząc ze sobą obiekty w korzystne kombinacje.

Konfiguracja oświetlenia

Zaletą fotografii martwej natury jest to, że nie trzeba kupować drogiego sprzętu oświetleniowego, jak to jest potrzebne w fotografii studyjnej. Pamiętaj, że masz pełną kontrolę nad całym przepływem pracy, więc poradzisz sobie ze światłem przy minimalnym sprzęcie w domu.

Możesz użyć nie tylko dowolnego sztucznego źródła światła, ale nawet naturalnego światła dziennego. W pierwszym przypadku możesz po prostu zablokować dostęp światła dziennego, szczelnie zasłaniając okna roletami i zasłonami, aranżując całe światło w sztuczny sposób. W przypadku światła dziennego wystarczy wybrać najjaśniejszy punkt w pomieszczeniu, w pobliżu okna, którego nie zasłaniają drzewa, budynki ani inne przeszkody.

Niektórym może się wydawać, że nie da się robić dobrych zdjęć zwykłymi żarówkami, ale tak nie jest. Najważniejsze jest nauczenie się pracy ze sztucznymi źródłami światła, eksperymentowanie z ich rozmieszczeniem. Można oświetlić przedmiot nie tylko od przodu, co może być dość nudne, ale także z boku, a nawet od tyłu, uzyskując ciekawe efekty. Ale jeśli masz wysokiej jakości i mocne źródło naturalnego światła, nie zaniedbuj go, ale spróbuj użyć go do fotografowania obiektów: można je uzupełnić specjalnymi odbłyśnikami lub połączyć z lampą.

Odbłyśnik można wykonać samodzielnie za pomocą kartonu i folii.

Praca z widokami

Doskonałym pomocnikiem w fotografowaniu statycznych obiektów i martwych natur jest specjalny statyw do aparatu, który pozwala pewnie trzymać go w pożądanej pozycji i fotografować kadry nawet z bardzo długim czasem naświetlania. Oprócz tego można dokupić pilota, który pozwoli na oglądanie strzelaniny z boku.

Jak najlepiej wykorzystać mój statyw? Za jego pomocą można obserwować fabułę i korzystać z wielu ciekawych kątów - najważniejsze jest, aby nie zapomnieć o ich zmianie, w przeciwnym razie aparat może stać w jednej pozycji przez całą sesję zdjęciową, z której będą przedstawiane zdjęcia. taki sam typ. Statyw fotograficzny powinien podkreślać różnorodność kątów fotografowania, a nie ograniczać w żaden sposób Twoje pomysły. Zmieniaj położenie aparatu, przestawiaj statyw w najbardziej nieoczekiwane miejsca, zmieniaj oświetlenie i ustawienia – wszystko to pomoże stworzyć różnorodne ujęcia, na które chcesz patrzeć.

Podczas przenoszenia sprzętu należy uważać, aby nie zasłaniać oświetlenia.

Jakie tło do sfotografowania?

Właściwy dobór tła do martwej natury odgrywa ważną rolę w tworzeniu wysokiej jakości obrazu. Tło powinno być proste i neutralne, aby nie odciągać uwagi od tematu. Wybierając tło, zatrzymaj się na ścianie w jednolitym kolorze, a jeśli go nie ma, użyj białego kartonu lub innego odpowiedniego koloru. Możesz również zastosować lekki i nienarzucający się wzór, ale tylko wtedy, gdy nie odstaje on zbytnio, zaburzając harmonię obrazu.

Wybierając odcień tła, zwróć uwagę na to, jak współgra on z fotografowanymi obiektami. Możesz wybrać neutralny biały kolor lub bardziej złożony odcień, który uzupełni obraz.

Jeśli fotografujesz małe obiekty, tło może nie być potrzebne. Wystarczy wybrać powierzchnię, na której chcesz umieścić wybrany przedmiot. Popularną opcją w tym przypadku jest czarny aksamitny materiał, który doskonale wchłania kolor i równomiernie się prezentuje.

Zasady kompozycyjne

Jak w przypadku każdego innego rodzaju fotografii, kompozycja fotografii odgrywa ważną rolę w martwej naturze. To ona w dużej mierze decyduje o tym, czy obraz się wyjdzie, czy nie. Odpowiednio dobrana kompozycja sprawi, że Twoja praca będzie wyjątkowa, interesująca dla widza i zapadająca w pamięć.

Najważniejszą zasadą, jaką zna każdy fotograf, jest zasada trójpodziału. Podążaj za nim, a będziesz miał zdjęcia, na które przyjemnie się patrzy. Nie zapominaj też, że rama powinna być skomponowana w taki sposób, aby nie było szczegółów rozpraszających istotę, a jedynie wszystko, czego potrzebujesz: wybierz główny temat i tło.

Aby stworzyć piękne zdjęcia, wykorzystaj całą swoją wyobraźnię i nie bój się niestandardowych rozwiązań. Zastanów się, na co patrzy widz podczas oglądania zdjęcia, jak wykorzystana jest pusta przestrzeń w kadrze i czy warto ją wypełnić. Trzeba włożyć dużo pracy i zrozumieć, jak zaprezentować fotografowany przedmiot w jak najlepszym świetle, ukazując nie tylko jego piękno, ale także oddając sens nadany pracy. Tak, trzeba też popracować nad kontekstem: trzeba zdecydować, czy obiekt sam będzie dobrze wyglądał, czy warto dodać do niego dodatkowe szczegóły. Dopiero po przeanalizowaniu wszystkich powyższych punktów będziesz w stanie stworzyć idealną ramę z kompozycyjnego punktu widzenia.

Błędy w fotografii martwej natury

Każdy fotograf, który dopiero zaczyna swoją przygodę z fotografowaniem obiektów statycznych i martwych natur, ma do czynienia z mniej więcej tym samym zestawem błędów, co pozostali. Nie denerwuj się, jeśli na początku napotkasz trudności, ponieważ uczą nas prawidłowego zrozumienia procesu fotografowania i pracy ze wszystkimi subtelnościami i niuansami fotografowania martwej natury. Warto przeanalizować najczęstsze przyczyny, przez które popełniane są błędy i niedociągnięcia w pracy.

1. Za mało praktyki ... Wszystkie umiejętności i doświadczenie zdobywa się dopiero podczas procesu filmowania, więc trzeba trenować i wypełniać rękę tak często, jak to możliwe. Fotografując w wolnym czasie, wkrótce nauczysz się dostosowywać ustawienia aparatu i pracować z wieloma parametrami. Obejmuje to również pracę z kompozycją: im więcej eksperymentujesz, tym szybciej zaczynasz rozumieć zasady kompozycji i wizji.
2. Nieprzepracowany pomysł ... Wszystko zaczyna się od pomysłu i dopiero po utworzeniu jasnego pomysłu na przyszłą fotografię wybierane są dla niej obiekty i detale, a także tło. Przesłanie artystyczne i ukryte znaczenie są bardzo ważne, bez nich cały proces kręcenia „czegoś” zakończy się fiaskiem.
3. Słaba wydajność oświetlenia ... Musisz wyraźnie zobaczyć, że nie ma nadmiaru ani braku światła, w przeciwnym razie każdy, nawet najbardziej oryginalny i kreatywny pomysł zostanie zrujnowany. Możesz używać światła dziennego, specjalnych zewnętrznych lamp błyskowych, lamp, a nawet świec - o ile obiekt jest odpowiednio oświetlony. Pamiętaj, że praca z reflektorami poprawi wynik, dlatego staraj się nie używać bezpośredniego światła.
4. Praca ze złożonym sprzętem ... Początkujący i każdy inny fotograf nie musi gonić za drogim sprzętem – dobre ujęcia z martwą naturą uzyskuje się nawet przy minimalnych kosztach. Jakość obrazu zależy od umiejętności, a nie od tego, ile pieniędzy zainwestowano w pracę.
5. Nieprzestrzeganie integralności stylu ... Zawsze możesz eksperymentować z kolorami, kombinacjami obiektów, tekstur i tekstur, kształtów. Nie należy jednak próbować wciskać w obraz przedmiotu, który absolutnie nie pasuje do kompozycji pod względem stylu, epoki lub innych oczywistych parametrów.
6. Błędy wyboru tła ... Tło zdjęcia to wcale nie drobnostka, ale detal, który łatwo może „zabić” fotografię, sprawić, że będzie nieestetyczna, a nawet odrażająca. Podejdź ze szczególną ostrożnością przy wyborze tła dla martwej natury: jeśli w żaden sposób nie pasuje do pomysłu i kompozycji, wybierz neutralne odcienie, które nie zwrócą na siebie uwagi. Na przykład możesz wybrać biel o prostej fakturze.

Najważniejszą rzeczą, którą musisz wiedzieć o udanej i wysokiej jakości fotografii martwej natury, jest próba ciągłego fotografowania, wypełniania dłoni przy każdej okazji, a nawet na dowolnych przedmiotach, a następnie możesz osiągnąć dobre wyniki w tym rzemiośle, a nawet zacząć robić pieniądze na to.

Malownicze martwe natury z XIV wieku opowiadały o przemijaniu wszystkiego, co ziemskie i nieuchronności śmierci. Były wypełnione symbolami, których znaczenie jest dziś trudne do zrozumienia dla przeciętnego widza. A o czym mówi nam współczesna fotograficzna martwa natura? Jakie są tematy niepokojące fotografów pracujących w tym gatunku? O tym dowiemy się na seminarium.

CZEGO SIĘ UCZYSZ?
- Czy główne motywy martwych natur zachowały się ze średniowiecza? O czym dziś opowiadają utwory z tego gatunku?
-Co jest lepsze dla martwej natury - owoce, motyle, kwiaty czy śmieci?
-Czy potrafisz skomponować martwą naturę z tysiąca przedmiotów?
-Kto robi najbardziej skandaliczne martwe natury?
-Czy można fotografować martwe natury pod wodą i co z tego wynika?
- Czy dobrze jest robić zdjęcia skomponowanych kompozycji, czy lepiej jest szukać kompozycji, które same się uformowały?
- Czy można używać Photoshopa podczas rysowania martwej natury, czy wszystko powinno być „sprawiedliwe”?

DLA KOGO TO JEST?
Seminarium przeznaczone jest dla szerokiego grona słuchaczy i nie wymaga specjalnych umiejętności. Lekcja nie będzie nudna dla nikogo z obecnych, wystarczy zainteresowanie współczesną fotografią.

Informacje wideo
Nazwa: Fotografia jako sztuka współczesna: martwa natura
Andrzej Zeigarnik
Wydany: 2017
Gatunek muzyczny: Seminarium
Język: Rosyjski
Wydany: Rosja
Czas trwania: 02:21:54

Plik
Format: MKV
Wideo: AVC, 1440x900, ~ 997 Kb/s
Audio: AAC, stratne Kb/s, 48,0 KHz
Rozmiar pliku: 1,1 GB

W latach 70. w kulturze zachodniej, rzucając wyzwanie współczesnej sztuce abstrakcyjnej, pojawił się nowy nurt w malarstwie – fotorealizm (lub hiperrealizm, superrealizm). Ogromne płótna malarstwa olejnego, które tylko rozmiarem różnią się od fotografii. Czegoś takiego w sztuce jeszcze nie było – artyści nie za podstawę przyjmowali życie, ale fotografię, zresztą codzienną, amatorską fotografię. W obrazach fotorealistów jest banalna codzienność, bezosobowa, dwuwymiarowa, zimna, bezosobowa, pozbawiona emocji rzeczywistość, przepuszczona przez fotografię. Superrzeczywistość łączy się z dystansem przy kopiowaniu takich fotografii. Ideologia fotorealizmu polega na uznaniu, że reklama, telewizja, a przede wszystkim fotografia w swoich różnych przejawach tak dominują w wizualnej percepcji współczesnego człowieka, że ​​wypierają rzeczywistość jako taką. Fotografia jest przedmiotem równie realnym i ważnym jak rzeczywistość - fotografia jest często nawet bardziej przekonująca niż sama rzeczywistość. Omawiając zasady współczesnej percepcji wizualnej i rolę artysty w społeczeństwie, fotorealizm stał się pierwszą sztuką konceptualną.
Fotorealizm udowodnił, że fotografia jest najbardziej adekwatnym językiem wizualnym dla współczesnej świadomości i percepcji, podstawą wszelkiej współczesnej kultury wizualnej.

Ralph Goings. „Niebieski serwetnik”. 1980 g.

Ralph Goings.

Fotografia współczesna (współczesna) powstała w latach 90., kiedy artyści zaczęli pracować z fotografią jako mediami. Fotografia współczesna nie istnieje poza kontekstem i jest niezrozumiała dla nieprzygotowanego widza. Fotografia przestała być przedmiotem estetycznym. Całą współczesną fotografię można podzielić na dwa obszary:
1. Fotografia konceptualna (sam się analizuje);
2. Fotografia interdyscyplinarna (dyscyplinami pokrewnymi mogą być: nauka, kultura, socjologia; np. badania społeczne czy dialog kulturowy z fotografią klasyczną).

Równolegle z fotografią współczesną istnieje sztuka piękna (sztuka piękna, sztuka o pięknie), której jedynym zadaniem jest przekazanie piękna otaczającego świata. Sztuka nie dotyczy fotografii współczesnej.

Fotografia konceptualna to fotografia o fotografii, sztuka analizująca sztukę. Jest zajęta odkrywaniem siebie: własnego języka, funkcji, roli, natury.
Głównym zadaniem artysty jest skłonienie widza do zastanowienia, a fotografia konceptualna stawia raczej pytania niż odpowiedzi. Kiedy powstaje fotografia, trwają badania, rozumowanie, są one ważniejsze niż efekt końcowy - sama fotografia. Fotografia to po prostu media, wizualna forma wyrażania myśli, poszukiwania artysty.
Cykl we współczesnej fotografii nabiera nowego znaczenia – nie jest historią fotografii, jak w modernizmie, ale typologią, jak u Karla Blossfeldta. Z wyjątkiem niektórych autorów, artyści pracują w seriach (wypowiedź rodzi się dopiero w serii), gdzie każde zdjęcie zrobione z osobna nie jest rodzajem opowieści.

Początkowo fotografia konceptualna była nieestetyczna, dokumentalna i nieciekawa malarsko. W ten sposób artyści zdefiniowali nowy język fotografii, nowy cel. Usuwając z obrazu wszystkie typowe dla fotografii klasycznej wyzwalacze ("decydujący moment", kompozycja, emocje, gesty, rozpoznawalna scena, podkreślenie tego, co najważniejsze), artyści starali się skłonić widza do spojrzenia na samą fotografię, do zastanowienia się nad jej naturą. Fotografia konceptualna jest nieoceniająca, sucha i odległa.

Później pojawiła się tzw. „fotografia postkonceptualna”, która stała się bardziej powszechna z estetycznego punktu widzenia i kosztowna w produkcji, co w konsekwencji wpłynęło na cenę końcowego dzieła sztuki. Z reguły takie prace, po fotorealizmie, o ogromnych rozmiarach, kręcone są na aparatach wielkoformatowych i drukowane w taki sposób, aby widoczne były najdrobniejsze szczegóły. Dzięki takiemu sposobowi przedstawienia obrazu, fotografia w jak największym stopniu zbliża się do rzeczywistości, pozwalając widzowi na dzielenie się rzeczywistością przedstawioną na fotografii. Hiperdetaliczność daje hipertroficzną hiperrzeczywistość. Jednocześnie wielu artystów wykorzystuje estetykę fotografii amatorskiej do przekazywania swoich pomysłów.

Artyści używają w fotografii nowoczesnego języka, chyba że nawiązują dialog kulturowy z historią sztuki lub historią fotografii.

Konceptualne podejście do fotografii mogło początkowo osłabić zainteresowanie gatunkiem martwej natury. Mimo to, dzięki niektórym artystom, fotograficzna martwa natura otrzymała nowy etap rozwoju. Na przykład Jan Grover (1943-2012) przekształcił przybory kuchenne w kunsztowne kompozycje. Grover często przedkłada formę nad treść, prawie eliminując temat ze swoich prac. Jej kompozycje często składają się jedynie z krawędzi przedmiotów, wyciętych nie do poznania. Tekstura jest tak samo ważna jak forma. Fotografie z tej serii Grovera są mniej przyborami kuchennymi, a bardziej złożonymi, czasem abstrakcyjnymi przedstawieniami przestrzennych aranżacji z wykorzystaniem kształtu, koloru i faktury.

Jana Grovera. Nieuprawny. 1978 rok

Twórczość szwajcarskich artystów Petera Fischli (ur. 1952) i Davida Weissa (1946-2012) zakłada fotografię jako środek, za pomocą którego artysta jest w stanie przedstawić to, co zwyczajne, ale w ich przypadku jest ono przekrzywione, konwencjonalne, wątpliwe. W swoim cyklu „Equilibrium / Quiet Afternoon” wzięli przedmioty codziennego użytku i balansowali je w niestabilnych strukturach w taki sposób, aby dziwne rzeźby balansowały na krawędzi zniszczenia. Ich rzeźby, nie podlegające działaniu grawitacji, mają pikantną kruchość i kruchość, a kamera uczyniła je wiecznymi.

Petera Fischli i Davida Weissa. Ciche popołudnie. 1984-1985

Nobuyoshi Araki (ur. 1940), okrzyknięty geniuszem i największym żyjącym japońskim fotografem, szczególnie interesuje się tematami kobiecości, kobiecej sylwetki i seksu. Za pomocą dojrzałego, lekko pomarszczonego rdzenia owocu Araki naśladowało kształt żeńskiego organu. Tworząc serię Erotos w 1993 roku, Araki wymyślił nazwę łączącą dwa motywy, które odgrywają kluczową rolę w jego sztuce: motywy Erosa i Tanatosa (według teorii Freuda Eros oznacza miłość, tworzenie, seks, życie, Tanatos " - pragnienie okrucieństwa, agresji, sadyzmu i śmierci). Na fotografiach Arakiego te siły zderzają się ze sobą: źródłem męskiej żądzy staje się owoc, który już zaczął pleśnieć i gnić. Krytyk sztuki Jerry Badger powiedział: „Pornografia jest naprawdę w oczach widza”.

Nobuyoshi Araki. „Erotos”. 1993 rok

Zdjęcie Margriet Smulders „Miłość zwycięża wszystko” wywołuje sprzeczne uczucia. Widać w nim wpływy malarstwa z XVII wieku i słychać echa tematu domowego komfortu. Piękno łączy się tu nierozerwalnie z więdnięciem. Kwiaty na zdjęciach, które Smulders często robi za pomocą luster, wydają się kruszyć. Ona sama nazywa kwiaty „aktorami”, przedstawiając „cały świat, ze wszystkimi związkami i dramatycznymi sytuacjami”. Na tym zdjęciu wyczuwalne jest niejasne zagrożenie: tu i ówdzie w kompozycji przecinają się zakrzywione gałęzie, a wodnista niebieska pustka w centrum grozi zalaniem całego obrazu i zniszczeniem delikatnych kwiatów. Smulders pracuje w klasycznym gatunku martwej natury, ale przerysowane, nierealistyczne kolory tworzą dramatyczny efekt, którego zwykle nie można znaleźć w fotografii kwiatowej. Jak wielu współczesnych fotografów, Smulders widział śmierć w naturze i nieuchronność rozkładu. Kwiaty na jej zdjęciu wydają się być oddzielnymi częściami ciała, jak zęby i języki, które są skazane na próchnicę. „Bujne i niezwykle erotyczne obrazy przenoszą Cię w inny wymiar. Ogromne lustra, kunsztowne szklane wazony, gęste draperie, owoce i cięte bukiety – z tego są wykonane te „płótna” – mówi o swoich pracach sama Margriet Smulders.

Margriet Smulders. "Miłość wszystko zwycięża." 125x1100 cm Fragment. 2005r

Praca ta jest w dobrej rozdzielczości na stronie autora http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 tam można ją przewijać w dogodnym tempie i przyklejać do dowolnej części
Wspaniała strona Smulders z innymi pracami http://www.margrietsmulders.nl

Amerykański fotograf James Welling (ur. 1951) nazywa swoją praktykę „odrodzeniem modernizmu, ale w kontekście historycznym”. Seria Kwiatów to głęboka analiza przeszłości fotografii, jej statusu w miarę ewolucji. Welling umieszcza sadzonki roślin na czarno-białym filmie i naświetla je, ich białe cienie odbijają się na czarnym negatywie. Następnie, za pomocą filtrów barwnych o różnych kształtach, ponownie się odsłania. Rezultatem są jasne fotogramy kwiatów - ich ciemne kontury na białym tle z mnóstwem delikatnych, błyszczących odcieni. John Herschel jest autorem terminu „fotografia” (piszę światłem), natomiast William Henry Fox Talbot zaproponował inny termin – „sciografia” (sztuka cieni). Seria Kwiatów jest owocem obu definicji: w pierwszym etapie (tworzenie negatywu) wykorzystywany jest cień rośliny, w drugim (tworzenie kolorowego pozytywu) cień wypełnia się jasnym światłem, dając początek fotografia. Welling przypomina nam, że cień odgrywa w fotografii równie ważną rolę jak światło. „Nie chodzi o to, że nie jestem zainteresowany treścią, ale treść nie jest jedyną rzeczą, która nadaje sens fotografii” – mówi Welling.

Jamesa Wellinga. Z serii „Kwiaty”. Autorska technika fotogramu. 2006 rok
Fotogramy kwiatów na stronie Wellinga, gdzie można znaleźć inne projekty http://jameswelling.net/projects/17

Monumentalne abstrakcje Christiana Marklei (ur. 1955) - „Przypomnienie (przetrwanie najsilniejszych)”. Nazwa służy jako wskazówka - przypomnienie zagrożonych mediów. Przy bliższym przyjrzeniu się, pęknięte kasety stają się zauważalne, staje się jasne, że odwinięta taśma magnetyczna rozciąga się wzdłuż całego obrazu. Za aluzję do teorii Darwina i „wyginięcia” kaset Markle umiejętnie odtworzył prawie wymarłą XIX-wieczną technologię cyjanotypowania i naśladował „wymarły” styl abstrakcyjnego impresjonizmu i Jacksona Pollocka.

Christiana Markle. „Najsilniejszy przetrwa”. Cyjanotypy. 2008 r.

„Promieniowanie emanuje z prawdziwego ciała”, które tam było, które mnie dotyka, co jest w innym punkcie; moim spojrzeniem ciało fotografowanej rzeczy łączy pozory pępowiny – napisał Roland Barthes, a jego słowa przypominały stwierdzenie Susan Sontag, że „fotografowanie pozwala obiektowi na nim przedstawionemu dotykać nas jak spóźnione promienie gwiazd”. Trop, wskazówka, wątek łączący fotografię z rzeczywistością ciekawie splata się z twórczością brytyjskiego fotografa Richarda Learoyda (ur. 1966). W swoim warsztacie opracował zupełnie nową technikę fotograficzną. Wykorzystując przestrzeń jako ciemnię, tworzy ogromne płótna na pozytywowym papierze fotograficznym. Światło odbijające się od obiektu jest tym samym, co świeci w twoich oczach. Jak powiedziałby Barthes, podmiot i widz są połączeni pępowiną zbudowaną z fotonów. Odbicia lustrzane Leroyda wydają się niewiarygodnie bliskie; takie fotografie pierwsi teoretycy fotografii nazywali „szaleństwem materii” lub, jak powiedział André Bazin, „halucynacją, która jest jednocześnie prawdziwa”.
Na zdjęciu "Bloki betonowe z zającem" martwe ciało zająca "podtrzymuje" betonowe klocki w stanie półzawieszenia, przedstawiając zamrożoną parodię życia. Reprodukcje Leroyda, podobnie jak wielu innych współczesnych artystów, rzadko trafiają do odbiorców. Jego innowacyjna technika fotograficzna pozwala mu tworzyć monumentalne obrazy z niewiarygodnie ostrymi szczegółami, nawet oglądane z bliska. Widzów przyciągają ogromne płótna z hiperrealistycznymi obrazami. Na prezentowanej fotografii taka siła obecności, taka wiarygodność tworzy ostry kontrast z martwym ciałem martwego zwierzęcia. Użycie przez Leroyda pozytywowego papieru fotograficznego przywodzi na myśl jedną z najwcześniejszych form fotografii (która stała się popularna przy fotografowaniu zmarłych): dagerotyp. Światło pada bezpośrednio z obiektu i osadza się na powierzchni dagerotypu, gdzie, jak w technice Leroyda, nie ma negatywu pośredniego.

Richarda Learyda. „Bloki betonowe z zającem”. 2007 rok

Film o Leroydzie i jego aparacie http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Większość prac niemieckiego mistrza Thomasa Demanda (ur. 1964) jest kopiowana z fotografii, w tym z newsów, nabierając potrójnego znaczenia: w rzeczywistości są to fotografie papierowych rzeźb z fotografii oryginalnego wizerunku. Zdanie sobie z tego sprawy prowadzi widza w dół, wzdłuż galerii luster, gdzie staje się widoczna różnica między rzeczywistością a fikcją. Popyt zaczyna od wybrania zdjęcia, a następnie tworzy z papieru i tektury trójwymiarową kopię naturalnej wielkości, którą niszczy po sesji. Oryginalne fotografie często przedstawiają słynne wydarzenia, gdyż w swojej pracy „Polling Center” odwzorowuje zdjęcia Centrum Operacji Kryzysowych w Palm Beach, gdzie w latach 2000. odbyły się wybory prezydenckie. Obraz nasuwa pytanie o proces „kontemplowania papieru z dziurami przez ponad 6 tygodni, kiedy dwie lub trzysta kartek papieru znacząco wpłynęłoby na losy tego świata”. Na pierwszy rzut oka obraz na zdjęciu wygląda jak duże biuro. Jednak po bliższym przyjrzeniu się widać, że wszystkie telefony są takie same, powierzchnie są płaskie, a to biuro z papieru. Papier jest zarówno obrazem reliefowym, jak i przedmiotem obrazu (głosowania). Demand, subtelnie naśladując rzeczywistość, stawia pytanie o wiarygodność fotografii. Czy możesz zaufać zdjęciom? Czy to, co przedstawia, jest prawdziwe?

Thomas Żądanie. „Punkt wyborczy”. 2001 rok
Demand pracuje na swojej stronie internetowej (nie zapominaj, że to tylko papier) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Ludzie często postrzegają fotografię jako medium informacji, które naprawdę oddaje kawałek świata. Praca Ori Gershta (ur. 1967) komplikuje ten pogląd, zmuszając widza do szukania niespójności między fotografią a ludzkim wzrokiem. Obraz „Eksplozja” z serii „W kółko” pokazuje hiperrealistyczny obraz, który dzieli czas na maleńkie cząstki, co jest poza zasięgiem ludzkiego oka. Wydobywa też na powierzchnię napięcie panujące między pięknem a okrucieństwem. Gersht przyznaje: „Interesują mnie przeciwieństwa – piękno i odrzucenie, jak moment zniszczenia podczas eksplozji bukietu staje się dla mnie momentem stworzenia”. Najpierw Gersht zamroził kwiaty ciekłym azotem, a następnie umieścił maleńkie wybuchowe pociski między płatkami i uchwycił moment eksplozji za pomocą szybkich kamer cyfrowych i specjalnie zaprojektowanego urządzenia elektronicznego, które je wystrzeliło. Bukiet kwiatów został uwieczniony w momencie eksplozji.

Ori Gersht. "Bukiet kwiatów". 2000 rok

Kolejny projekt na stronie Galerii CRG http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Sharon Core (ur. 1965) początkowo studiowała, by zostać artystką, a później przekwalifikowała się na fotografa. W konsekwencji wyznacza wyraźną granicę między tymi dwoma środkami wyrazu. Wchodząc w dialog z fotorealistami malującymi obrazy z fotografii, Cor tworzy fotografie z obrazów. Obraz „Jabłka” znalazł się w serii „Styl kolonialny”. Patrząc na ten obraz wydaje się, że jest to tylko fotografia obrazu z epoki dawnych mistrzów. „Inscenizuję »rzeczywistość« dziewiętnastowiecznego malarstwa pod względem oświetlenia, pomysłu i skali … aby skończyć z iluzorycznym obrazem innej epoki”. Jej inspiracją była Rafaelle Peale, autorka ponad stu martwych natur powstałych w latach 1812-1824. Odtwarzając w swojej pracowni kompozycję z obrazu Peale, Cor próbowała przekształcić trójwymiarowe obiekty w wytłoczone dwuwymiarowe powierzchnie z obrazu artystki. Jej technika wyznacza śmiałą granicę między fotografią a malarstwem, pozostawiając widzom zastanowienie się nad gatunkiem dzieła i rolą autentyczności.

Sharon Kor. "Jabłka". 2009 r.

Dzieło Laury Letinsky (ur. 1962) „Bez tytułu nr 23” swoim stylem przypomina starą martwą naturę, w której wyraźnie widać tradycje holenderskie i flamandzkie. Przyznaje, że jest pod wpływem dziwacznej mieszanki północnego i południowego renesansu, a jej kreacje odzwierciedlają to „niejednoznaczne, niepokojące i ciężkie” poczucie przestrzeni. Kompozycje Letińskiego prezentowane są w naturalnym świetle. Dla niej światło jest także aktorem, „niekontrolowanym… Światło potrafi zaskakiwać”. W większości swoich prac używa porannego światła, ale w serii Pies i Wilk zdecydowała się na aksamitną poświatę zmierzchu i bardzo długi czas otwarcia migawki. Tytuł serii jest aluzją do francuskiego powiedzenia o zmierzchu, czasach czarów, kiedy psy zamieniają się w wilki.
Jej wielkoformatowe fotografie tworzą atmosferę namacalności i intymności, jakby wystarczyło sięgnąć, by sięgnąć
Przedmiot. „Byłem zdumiony, że Ostatnia Wieczerza to scena posiłku, w której jedzenie na stole pełni rolę dodatkowej, odgrywa rolę drugoplanową. I pomyślałem, co by się stało, gdyby główni bohaterowie zostali usunięci, a wszystko inne zostało tak, jak jest ”. Główny nacisk kładzie na ideę, że fotografia pokazuje coś, czego już nie ma.
Wyrzucona skórka na wpół zjedzonej pomarańczy i porozrzucane skorupki pistacjowe – cała scena przypomina nieoczyszczony stół po obiedzie. „Fotografuję resztki jedzenia i szumowiny, aby przeanalizować związek między dojrzałością a zniszczeniem, wyrafinowaniem a niezdarnością, kontrolą a przypadkowością”. Perspektywa obrazu jest dość nietypowa: stół wygląda geometrycznie nieproporcjonalnie, a pistacje na podłodze praktycznie zlewają się z muszlami na stole. Upiorna kompozycja Letińskiego tworzy przytłaczającą atmosferę niepewności i braku obecności człowieka w przeszłości. „Zastanawiam się, co wydarzyło się „po”, co zostało… a co bezpowrotnie minęło”.

Laura Letinsky. „Bez tytułu nr 23”. 2009 r.

Każdy autor ma własne podejście do martwej natury, każdy rozwiązuje własne problemy przy użyciu unikalnych metod pozyskiwania obrazów i form prezentacji. Ale w każdym razie we współczesnej martwej naturze, jak we wszystkich nowoczesnych fotografiach, pomysł wysuwa się na pierwszy plan. W zależności od wypowiedzi wybierana jest zarówno metoda fotografowania (inscenizowana lub dokumentalna), jak i sposób prezentacji finalnego obrazu (plastyfikacja, lightboxy, autorskie fotoksiążki, obrazy uzyskane alternatywnymi metodami druku lub przy użyciu pierwszych technologii fotograficznych itp.) .

Martwa natura jako gatunek sztuki pojawiła się w odległym XV wieku i miała wtedy bardzo wyraźne konotacje religijne. Wiele wizerunków świętych zostało oprawionych w kompozycje kwiatowe. Już w XVII wieku martwa natura ostatecznie ukształtowała się jako gatunek, jednocześnie powstały podstawowe zasady kompozycji i technik klasycznych.

Martwa natura nie straciła na popularności od czasu pojawienia się fotografii, mimo że większość dzisiejszych fotografów przyciąga możliwość fotografowania w akcji. Mistrzowie starają się nakręcić coś chwilowego i nieoczekiwanego, statyczne obrazy są dla wielu mniej atrakcyjne i interesujące.

Ktoś może błędnie pomyśleć, że fotografowanie martwych natur nie jest trudnym rodzajem fotografowania, bo może wydawać się, że fotografowanie czegoś, co się nie rusza i nie zmienia w czasie, nie jest takie trudne. W rzeczywistości fotografie martwej natury powstają w wyniku długiej monotonnej pracy. Fotograf martwej natury musi cały czas pracować ze światłem i przedmiotami. Okresowo zmienia tematy, tła i kąty.

Jako świetne przykłady fotografii martwej natury pokażemy Ci zdjęcia Paulette Tavormina- słynny fotograf z Nowego Jorku. Mieszkając w dużym mieście, Paulette znalazła własny sposób na ucieczkę od zgiełku i szarości. Znika na godziny we własnym studio, filmując martwe natury warzyw, owoców i kwiatów. Fotografie Paulette Tavorminy nawiązują do klasycznych przedstawień klasycznego malarstwa. Są bardzo artystyczne i hipnotyzujące.

Paulette Tavormina tworzy również niesamowite kompozycje kwiatów, roślin i małych owadów na samolocie. Obrazy bardziej przypominają ilustracje z książek botanicznych lub niesamowite wzory roślinne.

Zdjęcia Paulette Tavorminy znajdują się w muzeach, zbiorach firmowych i prywatnych, były prezentowane w Paryżu, Londynie, Moskwie, Nowym Jorku, Los Angeles, Miami i Chicago. Paulette jest fotografem samoukiem, sama opracowała swoją unikalną technikę fotografowania martwych natur, studiując na zdjęciach holenderskich mistrzów.

Wzory roślinne

Martwa natura może być słusznie nazwana jednym z najtrudniejszych gatunków w jakiejkolwiek sztuce. A także w fotografii. Na przykład natura jest piękna sama w sobie. Aby stworzyć dobry pejzaż wystarczy znaleźć atrakcyjne miejsce, czyli piękną przyrodę i oddać stan przyrody na płótnie. Tak, to oczywiście trudne. Bardzo trudne. Nie każdy jest w stanie oddać nastrój na zdjęciu. Trudniej jest to zrobić w martwym życiu. Rzeczywiście, w martwej naturze, w przeciwieństwie do, powiedzmy, pejzażu lub portretu, sam artysta organizuje tę naturę, sam buduje kompozycję, wybiera obiekty do obrazu ... Wszystko to dotyczy fotografów. Podczas pracy nad martwą naturą bardzo ważną rolę odgrywa twórcza wyobraźnia autora, znajomość praw kompozycji, wyczucie faktury i światła... Rzeczywiście, w przeciwieństwie do pejzażu stworzonego już przez naturę i człowieka przed artystą, artysta tworzy martwą naturę od podstaw, porządkuje ją na czystej kartce. Gdzie wcześniej nic nie było. Pewnie dlatego nie każdy artysta jest w stanie stworzyć dobrą martwą naturę. Wystarczy spojrzeć na malarzy. Czy jest wśród nich wielu prawdziwych mistrzów martwej natury? Jest znacznie więcej malarzy portretowych i pejzażowych…. To samo można powiedzieć o sztuce fotografii.

W tym artykule postaramy się podpowiedzieć, jak stworzyć dobrą fotograficzną martwą naturę. Oczywiście damy radę w tej sprawie. Mamy nadzieję, że pomogą Ci w pracy twórczej. Będą stymulować twórczy rozwój.

Jak zaczyna się martwa natura?

Martwa natura zaczyna się od idei, czyli innymi słowy od idei. Rozejrzyj się - które z tego, co znajduje się w twoim domu, jest interesujące jako obiekt do komponowania kompozycji martwej natury? Jakie obiekty „proszą” o strzał? Stare i "teksturowane" przedmioty bardzo dobrze prezentują się w martwej naturze - różne wazony, zegary, stare książki, porcelanowe figurki, lampy stołowe, komplety, świeczniki i świece, niektóre rzeczy wykonane z grubej i grubej tkaniny - serwetki, obrusy... Dobrze wyglądają w martwych naturach owoce i warzywa. Kwiaty to także jeden z ulubionych przedmiotów malarzy martwej natury. Co więcej, kwiaty są nie tylko żywe, ale także suszone. Wyobraźnia nie ma granic. Różnorodne przedmioty nadają się do martwej natury. Najważniejsze jest to, że wszystkie te przedmioty są ze sobą w harmonii pod względem kształtu, koloru, tekstury, znaczenia ... Cóż, na przykład, jaki pomysł połączyć w jedną martwą naturę, powiedzmy, szczypce i wazon z jabłkami?

Zacznijmy przynajmniej od najprostszej kompozycji: martwej natury, której głównym „postacią” będzie miska z owocami. Ktoś powie, że taka martwa natura jest najczęstsza, powszechna i daleka od nowości. Więc co! Zgadzam się, co może być piękniejszego i ciekawszego niż piękne owoce w pięknym wazonie? To będzie idea naszej martwej natury. Teraz zdecydujmy, które z posiadanych przez nas przedmiotów możemy postawić obok takiego piękna, jakie faktury i kolory będą współgrać z kolorami i fakturami owoców oraz samego wazonu. Mając to wszystko na uwadze, pamiętaj o semantycznej treści martwej natury. W końcu martwa natura, jak każdy inny obraz, musi opowiadać historię. No wyobraźcie sobie na przykład wazon z jabłkami, gruszkami i wiśniami, a obok kilka polnych kwiatów i kubek mleka. Wszystko to znajduje się na prostym drewnianym, rustykalnym stole. Oto opowieść o wczesnym poranku w wiosce!

Wybór miejsca do fotografowania martwej natury

Wszystko może służyć jako stół tematyczny do martwej natury. Dowolny stół w Twoim domu może pełnić tę rolę. I nie tylko stół. Przedmioty do fotografii martwej natury można postawić na parapecie, na szafce nocnej, a nawet na półce w szafie. Głównym kryterium jest tutaj wytrzymałość tego obiektu tabeli i jego wystarczająca powierzchnia. Aby było miejsce, w którym twoja twórcza wyobraźnia byłaby wyciszona, by było dla niej przestronne i łatwe do zamieszkania. Nawet na podłodze można układać kompozycje obiektów do fotografowania martwej natury. Cóż, jeśli powierzchnia, na której instalujesz swoje przedmioty, jest nieestetyczna lub w ogóle nie pasuje do wszystkich możliwych kryteriów martwej natury, nad którą pracujesz, możesz ją pokryć piękną tkaniną: obrusem lub serwetką. Możesz po prostu położyć na nim kawałek papieru lub ładną sklejkę.

Nie zapomnij o tle swojej martwej natury. Tło w tym gatunku sztuki plastycznej odgrywa bardzo ważną rolę. W końcu to on ustala cały nastrój obrazu (i oczywiście fotografii)! Cóż, na przykład, jeśli tło twojej martwej natury jest czarne, bordowe, ciemnobrązowe lub składające się z kombinacji tych kolorów, to obraz, który otrzymasz, jest dramatyczny, w pewien sposób nawet nieco ponury. Jasne tło - białe, różowe, jasnozielone, niebieskie - doda martwej naturze delikatności, zmysłowości, romansu. Dobrze jest fotografować martwe natury „kobiece” na jasnym tle, a „męskie” na ciemnym tle. To znaczy takie, na których przedmioty martwej natury wydają się należeć do kobiety lub mężczyzny lub są dla nich przeznaczone.

Materiałem na tło martwej natury może być sklejka lub tektura, pomalowana na pożądany kolor, dowolny inny materiał, najlepiej nie odblaskowy, ale matowy. Odblaskowe tła są bardzo trudne w obróbce, nawet dla dobrych mistrzów fotografii. Jeśli użyjesz tkaniny jako tła, można ją pięknie udrapować, czyli ułożyć w efektowne fałdy. Niektórym ludziom udaje się fotografować martwe natury bez używania tła jako obiektu. Możesz to zrobić, jeśli nie używasz naturalnego światła, ale fotografuj tylko przy sztucznym oświetleniu w ciemnym pomieszczeniu. W takim przypadku oprawy oświetleniowe muszą być skierowane wyłącznie na fotografowane obiekty. Jednocześnie wszystko inne, co pozostaje poza ramą tej plamy świetlnej, pogrąża się w całkowitej ciemności i zamienia się w głęboką, piękną matową czerń tła.

Budujemy kompozycję martwej natury

Stworzenie kompozycji to chyba najtrudniejszy etap pracy nad martwą naturą. Niektórym ten etap może wydawać się nieistotny, nieskomplikowany. Na pierwszy rzut oka wszystko wydaje się proste: pięknie połóż piękne przedmioty na stole - i zacznij je fotografować. Ale tak nie jest. Dokładniej, absolutnie nie tak! Bardzo szybko zrozumiesz, że niektóre przedmioty nie są ze sobą w harmonii, na przykład kolorem, rozmiarem, znaczeniem ... Kompozycja okazuje się nieproporcjonalna, „spada” z jednej lub drugiej strony. Krótko mówiąc, świadomość, że ten etap pracy nad martwą naturą jest najtrudniejszy i najważniejszy, przyjdzie do Ciebie późno lub wcześnie. I zrozumiesz, że nie jest to idealne, ale nawet prawidłowe umieszczenie przedmiotów do martwej natury jest bardzo, bardzo trudnym zadaniem. I nie każdy fotograf i artysta potrafi to szybko rozwiązać.

Przejdźmy więc do bezpośredniej pracy. Zaczynamy tworzyć kompozycję naszej przyszłej martwej natury.

Przede wszystkim musimy ustalić, co będzie w centrum zainteresowania widza naszej martwej natury. Mówiąc najprościej, jaki będzie główny obiekt na naszym obrazie, wokół którego będzie uformowana i owinięta cała stworzona historia. Cóż, skoro zaczęliśmy mówić o martwej naturze na przykładzie miski owoców, więc kontynuujmy ten temat. Niech ta waza będzie centrum, głównym przedmiotem całej kompozycji.

Pierwszym krokiem jest uwzględnienie, że semantyczne i geometryczne centra każdego obrazu, w tym fotografii i oczywiście martwej natury, nie zawsze się pokrywają. Krótko mówiąc, jeśli nasza miska na owoce jest wyraźnie pośrodku obszaru ramy, na przecięciu jej przekątnych, to jest źle (najczęściej źle. Ale nie zapominaj, że są wyjątki od wszelkich reguł ...). Dlatego zalecamy przeniesienie wazonu na jedną stronę ramy. Możesz umieścić lub umieścić obok niego jeden lub więcej obiektów. Na przykład połóż jedno jabłko w pobliżu wazonu. Lub postaw obok niego piękny kieliszek wina... Jeśli chcesz, możesz zostawić miskę owoców w doskonałej izolacji. I to też może być piękne i harmonijne. Niemniej jednak będzie to dość trudne. Minimalizm zawsze był trudnym gatunkiem w sztukach wizualnych. Im prościej, tym lepiej - to główna zasada minimalizmu. I żeby to ożywić, urzeczywistnić, nie każdy artysta może to zrobić. Na początek zalecamy więc skomponowanie kompozycji martwej natury z kilku obiektów. Ale nie zapominaj o tym, że wszystkie te obiekty są ze sobą połączone w znaczeniu, byłyby w harmonii pod względem koloru, kształtu, rozmiaru i tekstury. Na przykład, jeśli w twoim wazonie leżą czerwone jabłka, to obok niego, na pięknym śnieżnobiałym obrusie, możesz położyć dumną czerwoną różę. Albo czerwony mak. Ale powiedzmy, że mikser, który przyniosłeś z kuchni, nawet jeśli jest czerwony, będzie całkowicie nieodpowiedni w tej kompozycji. Musimy dążyć do tego, aby obiekty w martwej naturze wzajemnie się uzupełniały, nie kłóciły ze sobą, nie powodowały u widza uczucia dezorientacji.

Tak więc zdecydowaliśmy się na kompozycje. Przechodzimy do kolejnego etapu prac:

Włączamy światło

Właściwie umieszczone lub wybrane światło w martwej naturze jest nie mniej ważne niż sama kompozycja.

Jeśli pracujesz nad martwą naturą w domu, nie w specjalnym studiu, ale w swoim mieszkaniu, najlepiej zacząć fotografować w naturalnym świetle dziennym. W takim przypadku zalecamy ustawienie sceny niedaleko okna lub naprzeciw niego. Delikatne, rozproszone, a jednocześnie ukierunkowane światło padające z okna na fotografowaną kompozycję stworzy piękne, długie, nieszorstkie cienie z obiektów, a jednocześnie korzystnie podkreśli i ujawni fakturę tych obiektów, nadaj im objętość.

Choć może się to wydawać dziwne, łatwo jest kontrolować i regulować naturalne światło słoneczne wpadające przez okno. Łatwo to zrobić, manipulując różnymi odbłyśnikami i przesłonami wykonanymi na przykład z kartonu, sklejki lub innych materiałów. Odbłyśnik może być, powiedzmy, zwykłą kartką papieru A4, opartą o coś na stole tematycznym. Nawet gazeta złożona jak chata i umieszczona obok może działać jak reflektor! I możesz zasłonić światło z okna za pomocą zasłon okiennych lub żaluzji.

Jeśli wieczorami pracujesz nad swoją martwą naturą, a światło dzienne po prostu nie jest dla ciebie dostępne, musisz pracować ze sztucznym światłem. Jako źródło takiego światła dobrze nadaje się najzwyklejsza lampa fotograficzna. Wystarczy nałożyć na nią dyfuzor. Niewykonanie tego i zrobienie zdjęcia bez dyfuzora może skutkować ostrymi, ostrymi i brzydkimi cieniami w tle. Jeśli masz do dyspozycji dobre stałe sztuczne światło, najlepiej używać go w połączeniu z softboxem.

Jako dodatkowe źródło światła można zastosować lampkę biurkową. Na przykład wiązka światła z niego może być skierowana na tło. Ale w tym przypadku powinien być odsunięty od tła, w odległości około jednego metra. W przeciwnym razie plama światła w tle będzie bardzo ostra, szorstka i brzydka. Lampę stołową można również zainstalować za kompozycją obiektów, które zbudowałeś i wykorzystać jako źródło podświetlenia.

Dobrze. Kompozycja jest zbudowana. Światło jest włączone. Wszystko gotowe. Zaczynamy strzelać. Martwe natury najlepiej fotografować ze statywu. Czemu? Ponieważ możesz potrzebować pracować przy wystarczająco długich ekspozycjach, aby osiągnąć określone cele. A bez statywu takie strzelanie jest po prostu niemożliwe. Kamera musi być stabilna. Jako przykład można przytoczyć martwe natury klasyka czechosłowackiej fotografii połowy ubiegłego wieku, Vaclava Jiru, które tworzył w swojej pracowni lub poza nią nocą, wyłącznie w świetle księżyca, bez użycia dodatkowych źródeł światła. . Cóż, a jeśli nie stawiasz sobie tak wysokich celów, to podczas fotografowania z ręki staraj się trzymać aparat tak, aby się nie trząsł. Smarowanie, rozmycie w martwej naturze są wykluczone. To taki gatunek w sztuce – wszystko powinno być jasne.

W procesie fotografowania martwej natury zalecamy przestawianie obiektów z miejsca na miejsce, swobodne zmienianie światła, przesuwanie jego źródeł w różnych kierunkach. Fotografuj z różnymi czasami otwarcia migawki i przysłonami. Zmień inne ustawienia aparatu. Fotografuj pod różnymi kątami, z różnych punktów widzenia. Fotografuj z różnymi obiektywami. Improwizuj w podróży! Szukaj różnych opcji! To właśnie w trakcie kręcenia martwej natury powstaje pewne podekscytowanie, rodzaj odwagi. Będziesz chciał budować coraz więcej opcji kompozycji martwej natury, coraz więcej nowych schematów oświetleniowych. Nie powstrzymuj lotu swojej twórczej wyobraźni! Być może już dziś stworzysz swoje najlepsze ujęcie, które później Cię uwielbi!

Tak i jeszcze jedna uwaga. Nasza ostatnia rekomendacja na dziś. Jeśli Twoja martwa natura okazała się być bardzo biała, przed rozpoczęciem fotografowania zdecydowanie zalecamy pamiętać o prawidłowym ustawieniu balansu bieli w ustawieniach aparatu. W przeciwnym razie później, w trakcie przetwarzania obrazu na komputerze, będziesz musiał dużo majstrować przy korekcji kolorów w edytorze graficznym. Po prostu w Photoshopie.