Martwa natura- Doskonały wybór do nauki podstaw rysunku i malarstwa. Istnieje kilka ważnych zasad, które podpowiedzą Ci, jak narysować martwą naturę. Zasady te są proste i całkiem wykonalne, ale niewiele miejsc o nich pisze lub mówi. Doświadczeni artyści posługują się tymi zasadami intuicyjnie. Początkujący zgadują i cieszą się z pomyślnie utworzonego obrazu lub odwrotnie - martwią się złym doświadczeniem w tworzeniu prostej fabuły.

Poniższe wskazówki pomogą Ci stworzyć różne harmonijne martwe natury przy użyciu niemal dowolnej techniki i uniknąć irytujących błędów.

Jak narysować martwą naturę - zasady dla początkujących

Naturalnie martwe natury są bardzo różne, niosą ze sobą różne cele i realizują je w różnych stylach. Dziś porozmawiamy o podstawowych zasadach przedstawiania obiektów nieożywionych na płótnie lub papierze.

Aby stworzyć harmonijny obraz, musisz znać przynajmniej podstawy kompozycji i koloru.

Co powinien zrobić początkujący, który chce już teraz stworzyć coś pięknego własnymi rękami? Czy zagłębisz się w lekturę książek o malarstwie i rysunku?

Wystarczy, że znasz kilka ważnych zasad, aby uniknąć błędów i uzyskać doskonały wynik.

Lokalizacja przedmiotów

Martwa natura zawsze wygląda piękniej, harmonijnie i ciekawie, trójwymiarowo:

• Dobrze jest połączyć te dwa rodzaje aranżacji: nakładanie się i odległość.

Przykłady rozmieszczenia przedmiotów

Nudne i nienudne rozmieszczenie obiektów

Umieszczając jeden obiekt za drugim, nakładając na siebie jego części, tworzysz pewną głębię w swojej pracy. Im więcej kształtów się przecina, tym bardziej „głęboka i obszerna” będzie Twoja martwa natura.

Przestrzeń

Jeśli właśnie rysujesz wazon z kwiatami i wydaje Ci się, że nie ma czym go przykryć, pomyśl o tym!

• Być może przed wazonem spadł jakiś liść, a może kwiat, może warto położyć serwetkę lub obrus, a może posypać jagody na stole.

Na przykład dzieło Aleksandra Siergiejewa:

Na pierwszym planie liście i kwiat. Te pozornie nieistotne elementy kierują wzrok widza od samego pierwszego planu zdjęcia, najpierw do opadłego kwiatu, potem do szklanki i wazonu, tworząc przestrzeń i uatrakcyjniając pracę.

Kolorystyka

Tworząc martwą naturę, ważne jest, aby po prostu nie przesadzić z liczbą użytych kolorów.

Zasada 2-3 kolorów

Wybierz 2-3 kolory podstawowe, śmiało używaj odcieni zbliżonych do nich i nie martw się, że będziesz mieć problemy z kolorem. Zwykle używam 2 główne kolory- i trochę dodatkowego koloru.

Przykłady rozwiązań kolorystycznych

Zasada 2-3 kolorów nie zawsze jest możliwa. Częstymi bohaterami martwych natur są kwiaty czy owoce w najróżniejszych kolorach i odcieniach. W takich przypadkach warto skorzystać z poniższych rad: Obraz nie powinien mieć wszystkich kolorów jednakowo

Stosunek kolorów

Nawet na zróżnicowanym obrazie dominuje jeden lub dwa kolory.

Na przykład, jeśli masz bukiet kwiatów w kolorze czerwonym, niebieskim, białym i żółtym oraz zielonych liści. Niektóre kwiaty i kolory powinny dominować, inne powinny być w mniejszości.

Oto przykłady:

Podkreślmy najważniejsze

Mając określony pomysł, rysując martwą naturę z życia lub z pomysłu (z głowy), musisz:

• podkreślić to, co w tej fabule jest najważniejsze, jaki temat dominuje?

Ta zasada nie zawsze jest stosowana, ale Twoja praca tylko na tym skorzysta.

Zadaj sobie pytanie: na jakim temacie chciałbyś skupić uwagę widza?

Główny element powinien się w jakiś sposób wyróżniać: kształt, rozmiar, kolor, położenie względem innych.

Nawet na etapie szkicowania, patrząc na szkic, musisz jasno określić - Co jest najważniejsze w Twojej pracy?

• Jeśli intuicyjnie da się to ustalić najważniejsze jest doskonałe.
• Jeśli wygląd przechodzi z jednego do drugiego, nie wiedząc, czego się chwycić- oznacza to, że musisz jeszcze popracować nad kompozycją. zmniejszyć coś lub powiększać, obracać, zmieniać układ itp. Wybierz to, co najbardziej Ci odpowiada.

Pewnie wiele osób ma teraz pytanie: A co jeśli narysuję jeden wazon z kwiatami?

Tutaj tej zasady nie trzeba stosować? Przecież naszym najważniejszym i głównym bohaterem jest „wazon z kwiatami”?

I tutaj konieczne i całkiem możliwe jest zastosowanie tej zasady.

W bukiecie kwiatów zawsze znajduje się kwiat główny.

Jeśli jest to bukiet złożony z wielu kwiatów, warto wyróżnić małą grupę kwiatów, które cieszą się największym powodzeniem oświetlony lub większość wyglądać wyraziście dla widza różnią się według koloru, rozmiar Lub formularz.

Jestem pewien, że temat martwej natury można omawiać i zgłębiać bardzo długo. Mimo to proste zasady, o których dziś Wam opowiadałam, pozwolą Wam z łatwością stworzyć harmonijne kompozycje w różnych stylach i technikach.

Mam nadzieję, że było to dla Ciebie interesujące i te proste wskazówki będą dla Ciebie przydatne.

Życzę wszystkim powodzenia i twórczych sukcesów!

I czekam na Wasze komentarze

Jako początkujący fotograf często eksperymentowałem z fotografowaniem kolorowych owoców, liści i kwiatów. Wierzcie lub nie, ale fotografowanie obiektów nieożywionych zawsze było jedną z naszych ulubionych rozrywek jako fotografów. Ale nie więcej! Przy tak dużym popycie na fotografię produktów na żywo w magazynach i na stronach internetowych, fotografia martwej natury jest dziś biznesem wartym milion dolarów.

Fotografia martwej natury to wyjątkowe przeżycie fotograficzne. Pracując z obiektem nieożywionym, masz mnóstwo czasu na kreatywne ustawienie wszystkich ustawień aparatu i fotografowanie, aż w końcu powiesz: „Wow! To ujęcie jest idealne.”

Fotografia martwej natury wydaje się prosta, jednak ożywianie obiektów nieożywionych wymaga dużej kreatywności i oczywiście dużej praktyki. Jeśli zepsujesz oświetlenie i kadrowanie, łatwo będzie zrobić nudne zdjęcie i tak już nudnego zestawu kluczy. Tutaj znajdziesz sześć najczęstszych błędów popełnianych przez fotografów podczas tworzenia martwych natur.

Błąd №1 – Nieodpowiedni oświetlenie

Zasada pierwsza: obiekt musi być dobrze oświetlony. W końcu jest to główny temat Twojej sesji zdjęciowej. Korzystanie z naturalnego światła zazwyczaj daje doskonałe rezultaty.

Jeśli fotografujesz w pomieszczeniu, musisz wykazać się większą kreatywnością przy oświetleniu obiektu. Częstym błędem jest fotografowanie przy sztucznych źródłach światła, takich jak diody LED i świetlówki. Dlaczego? Ponieważ takie źródła światła zmieniają naturalną temperaturę barwową, przez co fotografowany obiekt wygląda nienaturalnie. Co więcej, sprawiają, że Twój nieożywiony obiekt wygląda tak, jak jest - pozbawiony życia i nudny.

Rozwiązanie problemu oświetlenia podczas fotografowania martwej natury

Umieść obiekt w pobliżu naturalnego źródła światła, np. otwartego okna. Wykaż się kreatywnością, obserwując sposób, w jaki światło pada na obiekt. Czy wygląda niesamowicie, gdy światło pada na niego z boku? A może obiekt wygląda atrakcyjniej, gdy jest oświetlony od tyłu? Osobiście uważam, że boczne światło naturalne jest bardziej atrakcyjne. Jasne cienie i widoczne szczegóły w naturalnym świetle budzą zainteresowanie nawet nudnymi obiektami.

Kolejną ważną rzeczą, o którą należy się martwić, jest intensywność naturalnego światła padającego na obiekt. Unikaj fotografowania w bezpośrednim świetle słonecznym. Jasne światło słoneczne może zniszczyć drobne szczegóły i kolory przedmiotu. Rozwiązaniem, jeśli naprawdę musisz robić zdjęcia w pełnym świetle słonecznym, użyj modyfikatorów światła, takich jak softbox (lub półprzezroczysty reflektor), aby uzyskać efekt zachmurzenia i delikatnie rozproszyć bezpośrednie światło.

Błąd №2 – Rozpraszanie tło

Kolejnym częstym błędem w malowaniu martwej natury jest umieszczanie obiektu na rozpraszającym tle. Twój temat jest najważniejszy i zasługuje na całą uwagę. Dlatego należy zadbać o to, aby tło nie zawierało elementów rozpraszających. Mam tu na myśli wszystko, co odwraca uwagę od głównego obiektu na tło za nim. Na przykład fotografowanie wazonu z kwiatami na tle mebli domowych.

Rozwiązanie

Wybierz prostą ścianę pomalowaną na neutralny kolor. Jeśli nie ma takiej ściany, zakryj ją kartką białego papieru Whatmana, aby nie odwracała uwagi od głównego obiektu. Kolejna wskazówka: jeśli fotografujesz obiekt na blacie, lepiej ostrożnie przykryj stół białym obrusem lub papierem. Główną ideą jest skupienie maksymalnej uwagi na temacie.

Błąd №3 – Brak statyw

Jeśli musisz użyć długiego czasu otwarcia migawki, upewnij się, że obraz nie będzie rozmazany. Przykładem takiego strzelania może być ozdobna fontanna w pomieszczeniu. Możesz chcieć zrobić zdjęcie z długim czasem ekspozycji ruchu płynącej wody. W takim przypadku sensowne jest użycie statywu, gdyż nawet niewielki ruch aparatu będzie skutkować rozmyciem obrazu.

W połączeniu ze statywem możesz używać bezprzewodowego pilota do wyzwalania migawki. W ten sposób eliminowany jest nawet najmniejszy ruch kamery. Alternatywnie do pilota, w ustawieniach aparatu możesz zastosować 2-sekundowy timer.

Błąd №4 – Nieodpowiedni ramy

Kadrowanie zdjęcia pomaga przyciągnąć i przyciągnąć uwagę widzów do tematu. Kadrując obraz, określ, czy obiekt wypełnia kadr w sposób przyciągający uwagę. Skorzystaj z zasady trójpodziału, poruszaj się po niej i eksperymentuj z różnymi kątami. Na pewno znajdziesz idealne ujęcie.

Błąd nr 5 – Brak eksperymentowania

Wyrafinowanie naprawdę się opłaca, jeśli chodzi o fotografię martwej natury do celów profesjonalnych i komercyjnych. Po dokonaniu wszystkich ustawień i zrobieniu kilku zdjęć spróbuj zmienić scenę — przesuń obiekt w nieco inne miejsce, dodaj do sceny coś, co uzupełnia obiekt, użyj różnych kątów i źródeł światła, zmień kadrowanie i jeszcze raz. Dzięki temu za każdym razem otrzymasz wyjątkowe dzieło sztuki.

Błąd №6 – Zło wybór obiektyw

Martwa natura polega na stworzeniu głębi i podkreśleniu tematu w taki sposób, aby bezpośrednio oddziałał on z widzem. Jak osiągnąć taki poziom uwagi? Korzystanie z płytkiej głębi ostrości.

Działa to świetnie w przypadku przedmiotów o wysokim poziomie szczegółowości: kwiatów, liści i owoców. W takich scenach trzeba zbliżyć się do fotografowanego obiektu, ustawić aparat w tryb AV (priorytet przysłony) i wybrać najdłuższą ogniskową. Teleobiektyw jest najlepszym narzędziem do tego typu fotografii, ponieważ długa ogniskowa zawęża perspektywę, dzięki czemu fotografowany obiekt bardziej się wyróżnia.

Nie oznacza to, że do fotografowania martwej natury nadaje się tylko teleobiektyw. Jeśli chcesz podkreślić subtelne szczegóły obiektu, rób zdjęcia za pomocą teleobiektywu. Z drugiej strony, jeśli chcesz sfotografować wszystko, co znajduje się na biurku, wystarczy standardowy obiektyw 50 mm lub szerokokątny.

Dla każdego artysty ważne jest, aby znać i dostrzegać wzorce harmonii zarówno w rzeczywistości, jak i w dziełach sztuki. Jednym z warunków udanej pracy jest atrakcyjny charakter. Strona emocjonalna odgrywa kluczową rolę w procesie uczenia się i kształtuje twórcze podejście do procesu rysowania. Nudne zadanie szybko Cię męczy i masz ochotę zakończyć je szybko i przypadkowo. Nie spiesz się z malowaniem pospiesznie inscenizowanej martwej natury. Pracując nad dobrą martwą naturą, poczujesz przyjemność, uniesienie emocjonalne, twoja uwaga zostanie całkowicie pochłonięta procesem wizualnym na długi czas, aż w końcu poczujesz głęboką satysfakcję, jeśli uda ci się przekazać swoje uczucia z natury .

Inscenizując martwą naturę możemy zmieniać i przesuwać obiekty, draperie, oświetlenie, aż do całkowitego zadowalania rozwiązań kompozycyjnych, kolorystycznych, świetlnych i tonalnych. Pracując z przedmiotami i draperiami uczysz się kompozycji. A jeśli będziesz uważny i uważny, możesz się wiele nauczyć. Proces twórczy nie zaczyna się od pierwszych pociągnięć ołówka czy pociągnięć farby, ale od pomysłu i inscenizacji martwej natury. Specyfika edukacyjnej martwej natury polega na tym, że ma ona na celu rozwiązywanie problemów wizualnych krok po kroku od prostych do złożonych. W miarę ich wzrostu martwe natury stają się coraz bardziej złożone. Pozostaje jednak zasada zadania, aby ułatwić uczniowi przekazanie cech wolumetryczno-przestrzennych, kolorystycznych, tonalnych i kompozycyjnych natury.

Istnieją ogólne zasady inscenizacji martwej natury. Znajdujące się w nim obiekty muszą mieć połączenie semantyczne. Centrum kompozycyjne jest zawsze dobrze określone (zwykle znajduje się w tle). Często produkcja edukacyjna zorganizowana jest według zasady podporządkowania pewnemu kształtowi geometrycznemu (ta metoda kompozycji znana jest artystom od czasów starożytnych i była stosowana przez wielu mistrzów), tak aby przedmioty pasowały do ​​​​trójkąta, prostokąta, kwadratu, koła , owalny. Kompozycję można rozwijać w poziomie, w pionie, ukośnie, a martwa natura wygląda lepiej w rosnącej kolejności od lewej do prawej - tak jak jesteśmy przyzwyczajeni do czytania. Pole widzenia człowieka ogranicza się do pewnego owalu, obiekty zostaną ułożone w martwą naturę, jeśli zmieszczą się w ten owal. Inscenizując martwą naturę, szukaj harmonii i równowagi mas, wewnętrznego połączenia przedmiotów, draperiów i kolorów. W tym przypadku trzeba mieć na uwadze nie tylko same rzeczy, ale także przestrzenie pomiędzy nimi i część otaczającej przestrzeni.

Nie ma gotowych przepisów i formuł na zadania edukacyjne i nie może być. Zależy to całkowicie od zdolności twórczych malarza, jego talentu i umiejętności harmonijnego rozłożenia szczegółów oraz opracowania ogólnej kolorystyki w zależności od zadania.

Na początkowym etapie wybieramy przedmioty proste w kształcie, zróżnicowane kolorystycznie, materiałowo i proporcjonalne względem siebie. Co znaczy proporcjonalny? Bardzo małych rzeczy nie należy stawiać obok dużych. Potrzebujemy obiektów średniej wielkości, które łączą i równoważą te masy. Martwe natury składające się z dwóch lub trzech przedmiotów gospodarstwa domowego są stosunkowo łatwe do stworzenia. Główną trudnością jest konstrukcja przestrzeni, która nie powinna być głęboka (zwykle trójpłaszczyznowa), gdyż w tym przypadku znacznie trudniej jest oddać kształt natury. W stworzeniu wrażenia głębi i objętości w malarstwie można pomóc już na etapie planowania produkcji. Obiekty o ciepłych kolorach, jasne, kontrastowe i szczegółowe są postrzegane bliżej. Słowa zimne, neutralne i uogólnione są postrzegane w stosunku do pierwszego planu jako zagłębiające się.

Początkujący malarz musi rozwiązać cały szereg problemów wizualnych. Nie potrafi jeszcze uchwycić niuansów tonalnych, nie ma rozwiniętej i integralnej wizji, dlatego szczególnie ważne jest, aby martwa natura była dobrze i przejrzyście zorganizowana.

Pierwszy plan wymaga szczegółowego przestudiowania. Umieszczamy tutaj jasne, kontrastowe, małe przedmioty. Na przykład gałązka jarzębiny, winogron, śliwki, grzybów na gładkiej draperii bez fałd lub z prostymi fałdami. W tle kompozycyjnym centrum martwej natury jest zwykle największy, główny obiekt i obiekty średniej wielkości, które go równoważą. Lepiej, jeśli są gładkie (lokalnie kolorowe). Przedmioty te są pisane szerzej, bardziej ogólnie niż plan pierwszy. I na koniec tło.

W warunkach treningowych tło nie powinno być bardziej aktywne niż obiekty. W pierwszych martwych naturach lepiej używać neutralnych tonów: szarawego, szaro-zielonego, szaro-niebieskiego. Mają zdolność harmonizowania z tonami bardziej aktywnymi, częściowo mieszania się z jasnymi, a nawet bezbolesnego łączenia dysonansów, jak czarna lub ciemnoszara ołowiana rama - wzór - łączy kontrasty kolorystyczne w witrażu. Te właściwości neutralnych kolorów są szeroko stosowane w sztuce dekoracyjnej i użytkowej. Zastosowanie takich draperii w martwej naturze ułatwia znalezienie harmonijnej palety. Osobliwością neutralnego tła jest to, że pod silnym wpływem odcieni martwych natur, a jeśli zostanie pomalowane na jeden lokalny kolor, na przykład szary, tło będzie wydawać się obce obok obiektów.

Świat rzeczy jest duży i różnorodny, motyw martwej natury może czasem zostać zasugerowany przez jakiś temat, który Cię interesuje. Stanie się głównym, poniesie ciężar głównej plamy koloru, wszystkie inne szczegóły będą mu posłuszne. Harmonia różnych odcieni, zgodna z kolorem głównym, decyduje o kolorze martwej natury. Schemat kolorów można określić i uwzględnić podczas przygotowywania zadania. Wyrażenie „jasne malowanie” jest brane dosłownie przez początkujących. Często samodzielnie wystawiane martwe natury przedstawiają zebrane razem, jaskrawo kolorowe rzeczy, które znajdują się w domu. Martwa natura może być jasna, ale musi być harmonijna, ważne jest, aby rozwinąć poczucie proporcji i dobrego smaku.

Wielką rolę pełnią draperie, które służą nie tylko jako konwencjonalne tło, ale także pomagają plastycznie łączyć przedmioty. Wskazane jest takie ułożenie fałd i kierunku draperii, aby zamykały przedstawioną przestrzeń i kierowały wzrok widza na środek kompozycji. Na początkowym etapie szkolenia, jako tło i płaszczyznę poziomą, weź draperie o różnych kolorach i odcieniach, łącząc je w taki sposób, aby pomagały „budować przestrzeń” w martwej naturze.

Oświetlenie jest również ważnym punktem w malarstwie, dzień jest idealny, ale ma minus - nie jest stały. Jeśli chodzi o naukę, wciąż musimy przyznać, że elektryczny jest najlepszy. Do każdej produkcji trzeba szukać jak najbardziej wyrazistego oświetlenia, im wyraźniejszy jest podział światła i cienia na powierzchni obiektów, tym lepiej czytelna jest forma. Dobre efekty daje oświetlenie górne i boczne. Światło od strony widza „pożera” objętość obiektów, a kolor traci swoją definicję. Światło modeluje także przestrzeń w martwej naturze. Na koniec pamiętajmy, że światło w malarstwie to kolor.

Bardzo ważna jest także wielkość płaszczyzny poziomej. Jeśli usiądziesz daleko od martwej natury, płaszczyzna pozioma zostanie zmniejszona, a obiekty będą sprawiać wrażenie stojących na tej samej linii, co utrudni oddanie przestrzeni i objętości. Z tych samych powodów nie należy stawiać natury na wysokim stanowisku. Odległość malarza od martwej natury powinna być około 2–3 razy większa od wielkości ustawienia. Kiedy już zdobędziesz więcej doświadczenia, możesz malować martwe natury z wysokim i niskim horyzontem, a nawet wiszące martwe natury.

Z powodzeniem maluje się przedmioty o gładkiej powierzchni, dobrze przyjmującej odbicia otoczenia, należy jednak unikać ceramiki zbyt odbijającej światło, malowanie takiej powierzchni wymaga doświadczenia i solidnej wizji formy. Rzeczy wykonane z plastiku i matowe, nieszkliwione są trudne do przedstawienia, trudno je wpasować w otoczenie martwej natury ze względu na słabo widoczne refleksy.

Zadanie zakończy się niepowodzeniem, jeśli umieścisz wysoki przedmiot i niski, płaski, na przykład naczynie. Początkujący artysta nie będzie malował zawartego między nimi fragmentu tła, tak aby organicznie wpasował się w martwą naturę. Malowanie tła stanowi nie lada wyzwanie. Tym samym dobrze wykonane tło może „wyciągnąć” słabo napisany temat. I odwrotnie, zła decyzja rujnuje całą pracę. Trudno jest pomalować jasne, przezroczyste szkło. Aby ułatwić sobie zadanie, możesz napełnić naczynie kolorową wodą.

Świeże warzywa i owoce, gałęzie i liście dobrze sprawdzają się w martwej naturze, ale nie mogą długo stać, więc pisze się je szybko, w dwóch lub trzech sesjach. Dynie i cukinia, jeśli nie są ranne, mogą służyć w naturze przez całą zimę. Granaty, kukurydza i słoneczniki są dobrze zachowane. Przydaje się samodzielne wykonanie manekinów warzyw, owoców i grzybów do produkcji ze styropianu, gliny, plasteliny i pomalowanie ich.

Nie szukaj żadnych specjalnych przedmiotów do zadań szkolnych. Proste sprzęty gospodarstwa domowego sprawdzą się znakomicie, spróbuj dostrzec piękno zwykłych rzeczy, które otaczają nas na co dzień.

Jej luksusowe martwe natury można zobaczyć w magazynach i reklamach na całym świecie. Natasha mieszka w Belgii od prawie sześciu lat i przez cały ten czas poświęca się swojej ulubionej pracy. O tym, jak przebiega filmowanie, co jest inspiracją, jak wybrnąć z trudnych sytuacji filmowych i wiele więcej – w tym wywiadzie.

Jak nazwałbyś gatunek, w którym pracujesz?

Specjalizuję się w fotografii produktowej. Nie mogę nazwać się fotografem jedzenia w 100%, bo z równą przyjemnością fotografuję bukiety, jak i dekoracje sylwestrowe czy wielkanocne. Ale nadal częściej fotografuję jedzenie.

Co Cię pociąga w tego typu fotografii?

W fotografii produktowej widzę znacznie więcej możliwości wyrażenia siebie niż np. w fotografii krajobrazowej czy nawet pracy z modelkami. Lubię przemyśleć fabułę, dobrać rekwizyty i ułożyć kompozycję. Podoba mi się także prostota i przystępność fotografii produktowej. Nie jestem zależny od warunków pogodowych ani innych osób, które muszą przyjść na sesję. A fakt, że zajmuję się ściekami, czyni mnie również całkowicie niezależną od klientów i szefów. Fotografuję, co chcę i kiedy chcę, i nie pracuję, kiedy nie mam na to ochoty. Myślę, że to wystarczający powód, żeby NAPRAWDĘ kochać swoją pracę :)

Jak zacząłeś kręcić filmy? Czy były warunki?

Oczywiście nie było żadnych warunków. Chodziłam po okolicy z małym kieszonkowym aparatem i robiłam zdjęcia wszystkiego, co spotykałam na ulicach, spacerując z dzieckiem. Byłam młodą mamą i bardzo się martwiłam, co zrobię, gdy wszystkie moje myśli przestaną zaprzątać kwestie karmienia piersią i pieluchami :) Potem mąż podarował mi na Nowy Rok profesjonalny aparat i ruszamy w drogę. Cóż, kiedy przyjęli mojego pierwszego gołębia (myślę, że to był po prostu gołąb), a nawet zaczęli kupować kolejne zdjęcia, nie mogłem przestać.

Czy uważasz, że można obejść się bez sztucznego światła, aby stworzyć spektakularne martwe natury?

Całkiem możliwe jest obejście się bez sztucznego światła – znam wielu fotografów, którzy preferują naturalne oświetlenie i korzystają z niego, gdy tylko pozwalają na to warunki pogodowe. Jeśli jednak w swojej pracy kierujesz się warunkami pogodowymi i porą dnia, zgodzisz się, że nie będzie to miało najlepszego wpływu na Twoją produktywność i (co jest szczególnie ważne!) na Twój nastrój.

Opowiedz nam trochę o świetle. Czy masz jakieś ulubione schematy oświetlenia?

Mam kilka ulubionych i znanych schematów oświetlenia. Na przykład, jeśli fotografuję bukiet, chcę, aby kwiaty wyglądały na bardziej obszerne, więc ustawiam oświetlenie pod światło tak, aby płatki wyglądały na półprzezroczyste. To dobre rozwiązanie także w przypadku bukietów, gdyż takie oświetlenie imituje światło padające z okna, a właśnie do tego jesteśmy przyzwyczajeni, widząc bukiety stojące na parapetach. Zdjęcia wychodzą bardzo żywe i klimatyczne.

Aby fotografować szkło, zmieniam schemat oświetlenia, używam czarnych flag, wyjmuję pudełka z paskami i ogólnie dużo eksperymentuję.

Nadal nie mam jasnego planu działania i schematu oświetlenia, kiedy zdejmę szybę. Wszystko zawsze kończy się inaczej. Nawet jeśli światło jest dobrze ustawione, a szklane obiekty nie wtapiają się w białe tło, szkło na białym tle często nie ma wystarczającego kontrastu, aby stworzyć jasne zdjęcie, dlatego często np. umieszczam coś jasnego za szklanym przedmiotem , na tle którego szkło wygląda na przezroczyste i nie spływa.

W łyżkach i widelcach odbicie okazuje się rozciągnięte, niewyraźne, w nim ważne są nie tyle kontury przedmiotów, ile kolory. Kiedyś na przykład sfotografowałam ciasto czekoladowe z czerwonymi porzeczkami i bukietem czerwonych róż w pobliskim wazonie. Wszystko było w czekoladowo-czerwonych tonach, ale nie zauważyłam, że moja pomarańczowo-niebieska koszula w paski odbijała się jako jasny punkt na łyżce. Wymagało to dużo retuszu i zajęło dużo czasu :)

Istnieje sekret fotografowania balów sylwestrowych: umieść kule matowe na pierwszym planie, a błyszczące w tle. W ten sposób upieczesz dwie pieczenie na jednym ogniu: nie będziesz mieć zbędnych odbić w przezroczystych kulach na pierwszym planie, ale nieostre błyszczące zabawki w tle stworzą doskonały noworoczny bokeh ze światłami

Skąd czerpiesz inspirację?

Inspiracja jest wszędzie, wystarczy ją złapać. Prace utalentowanych fotografów w magazynach, piękna muzyka, wazon w sklepie, w którym po prostu nie da się nie sfotografować wiosennych tulipanów, ale wszystko może być źródłem inspiracji.

Masz mnóstwo pięknych potraw. Jak to dostaje się do Twojego domu?

Najczęściej kupuję naczynia, gdy widzę, że na pewno przydadzą się, gdy tylko nadejdzie ich kolej. Nawet jeśli nie ma jeszcze scenariusza specjalnie na to danie, to jeśli jest fotogeniczne, skrypt prędzej czy później się pojawi. Czasami pomysły rodzą się od jednego spojrzenia na talerz, starą deskę czy szklankę.

Jak wybierasz owoce, warzywa, kwiaty? Na co zwracasz uwagę przy zakupie?

Pomimo tego, że mam duży ogród, w którym rosną różnorodne kwiaty oraz owoce i warzywa, prawie nigdy nie wykorzystuję ich do fotografii. Najważniejszym kryterium przy wyborze rekwizytów jest świeżość i brak jakichkolwiek wad.

Warzywa i owoce z mojego ogródka niewątpliwie są pozbawione nawozów i są zdrowsze od tych kupnych, ale jednocześnie często wyglądają „biedniej”, nie tak kolorowo. A kwiaty z mojego ogrodu, przetrwawszy jeden silny wiatr czy deszcz, zapewnią mi długie siedzenie w Photoshopie.

Dlatego warzywa i kwiaty kupowane do strzelania i dla siebie to w moim przypadku dwie duże różnice.

W sklepach ogrodniczych sprzedają się głównie kwiaty uprawiane w szklarniach i oranżeriach, są absolutnie błyszczące, bez wad. Najprawdopodobniej, podobnie jak warzywa, są obficie podlewane nawozami. Może to być szkodliwe dla zdrowia, ale tylko poprawi jakość fotografii.

Opowiedz nam o procesie kręcenia filmu i jego przebiegu. Czy rozpoczynając zdjęcia, trzymasz pod ręką szkice przyszłych zdjęć, czy też wszystko powoli układa się samoistnie?

Zawsze piszę scenariusz. Jest to niejako niezbędne minimum. Jeśli strzelanie zakończy się sukcesem, najprawdopodobniej pojawią się dodatkowe pomysły, których nie było w scenariuszu. Ale scenariusz jest szkieletem strzelaniny.

W zależności od tematu dokupuje się niezbędne rekwizyty i ustala czas, w którym mogę spędzić cały dzień w studiu, niczym nie rozpraszając uwagi.

I oczywiście mam swoje własne rytuały, które pomagają mi się dostroić. Dużo kawy, dużo muzyki, wyłączony telefon, totalna koncentracja. Jeśli na dłużej zahipnotyzujesz rekwizyt wzrokiem, w końcu ulegnie on i pozwoli narodzić się dziesiątki zdjęć :)

Na czym się opierasz tworząc kompozycję?

Fakt jest taki, że zawsze robiłem zdjęcia dla kaprysu i ze zdziwieniem dowiedziałem się, że to wszystko zostało już dawno opisane. Zarówno „złoty podział”, jak i kompozycje diagonalne, z których tak często korzystam. Zawsze robiłam to po prostu „pięknie” i „to, co chciałam kupić”, ale okazało się, że wyraźnie i w najdrobniejszych szczegółach trzymałam się kilku podstawowych zasad kompozycji.

Jeśli mówimy o trikach, nigdy nie zaczynam od skomplikowanych kompozycji. Zawsze zaczynam od prostych rzeczy, a potem dodaję więcej. Czasami bardzo daję się ponieść dodatkom i zdjęcia wychodzą moim zdaniem przeładowane. Jeden z moich znajomych na Livejournal nazwał mnie mistrzem artystycznego rozpraszania :)

Rzeczywiście, czasami złożone kompozycje dają wrażenie, jakby przedmioty były po prostu rozproszone. Ale artystyczne :)

Czy retusz zajmuje dużo czasu?

Staram się minimalizować czas poświęcony na retusz. Bardzo pomaga w tym doskonała jakość rekwizytów i początkowo dobrze naświetlone oświetlenie. Czasami chcesz wykonać skomplikowaną obróbkę, zastosować teksturę lub jakoś w specjalny sposób zabarwić zdjęcie, wtedy możesz majstrować przy obróbce. Ale dzieje się tak tylko w wyjątkowych przypadkach.

Jakie cechy, Twoim zdaniem, powinien posiadać fotograf, aby tworzyć doskonałe martwe natury?

Myślę, że musi mieć lekką fobię społeczną i trochę nudziarza, ma obsesję na punkcie szczegółów i perfekcji :)

A tak na serio, moim zdaniem fotograf powinien zawsze szczerze kochać to, co fotografuje i cieszyć się samym fotografowaniem. Zrozum, że w ocenie zdjęć nie ma pojęć „dobry” – „zły” i „dobry” – „zły”. Bądź odważniejszy. Pokaż proste rzeczy, jakich nikt wcześniej nie pokazał. Uważam, że fotograf powinien umieć wznieść się nieco ponad przeciętność. Nie bądź marudą, który upiera się, że wszystko, co możliwe, zostało już sfotografowane setki razy i nic nowego nie wymyśli. Nikt przed Tobą nie pokazywał ludziom świata Twoimi oczami, a to oznacza, że ​​masz jeszcze wiele do zrobienia!

17791 Doskonalenie swoich umiejętności 2

Na samym początku naszej lekcji zastanówmy się, czym jest martwa natura. Wyrażenie „martwa natura” pochodzi od francuskiego słowa nature morte, które tłumaczy się jako martwa natura. W sztuce pięknej wyrażenie to oznacza obraz zupełnie innych obiektów nieożywionych. Mogą to być przedmioty codziennego użytku, biżuteria, owoce, warzywa i wiele innych.

Martwa natura to samodzielny gatunek fotografii artystycznej, ma swoje zadania, tematy i wątki. Podczas fotografowania wykorzystuje się wiele dobrze znanych technik fotograficznych. Można ze sobą łączyć różne rozwiązania i kompozycje oświetleniowe.

Moim zdaniem martwa natura jest dość złożonym gatunkiem fotografii, ponieważ rolę modeli przypisuje się niemym przedmiotom. Z drugiej strony czyni go to najbardziej tajemniczym i interesującym zarówno dla widza, jak i fotografa. Oczywiście podczas fotografowania martwej natury nie ma emocjonalnego związku z modelem, ale to tylko na pierwszy rzut oka. Najczęściej pomysł stworzenia martwej natury promuje jakiś przedmiot, który wywołał emocje i określony nastrój u fotografa jeszcze przed rozpoczęciem pracy. Zadaniem martwej natury jest oddanie tego samego nastroju poprzez kompozycję, projekt światła i obróbkę w edytorach graficznych. To właśnie sprawia, że ​​martwa natura jest atrakcyjna dla fotografów, a zwłaszcza dla mnie.

Najpierw o sprzęcie fotograficznym potrzebnym do fotografowania. Martwa natura absolutnie nie jest wybredna w wyborze aparatu, obiektywu i innego sprzętu fotograficznego, wszystko zależy od wyposażenia technicznego i zamierzeń fotografa. Lepiej jest używać statywu, ponieważ bardzo wygodnie jest obserwować całą kompozycję przez wizjer, zmieniając i przestawiając obiekty w kadrze. Względna apertura obiektywu podczas fotografowania może mieścić się w zakresie 5,6-11. Osiąga się to przeniesienie wymaganej głębokości przestrzeni.

Oczywiście każdy artysta ma swój własny algorytm działania podczas pracy, dlatego rozważymy ogólny plan działania, który później przekształci się w Twój własny styl.

Pierwszy etap. Pomysł

Wszystko zaczyna się od pomysłu. Pamiętaj, że nie możesz zacząć fotografować martwej natury bez specjalnie sformułowanego pomysłu. Zasada „rozłożę obiekty i zobaczę, co z nich wyjdzie” tylko zabija czas fotografa i dalszą chęć robienia zdjęć. Pomysł dojrzewa na podstawie wrażeń, pragnień i wyobraźni fotografa; w okresie dojrzewania pomysł mieści się w ramach, po pierwsze, standardów kompozycyjnych, a po drugie, obecnością środków ucieleśnienia pomysłu, czyli przedmioty. Znalezienie obiektów, które pozwolą przełożyć pomysł na materialną kompozycję, jest zadaniem dość trudnym i czasami kosztownym. Przedmioty można kupić lub pożyczyć od znajomych. Czasem mając jeden kluczowy przedmiot, od razu pojawia się kilkanaście pomysłów z różnymi kompozycjami, w jakich może się on pojawić. Myśląc o fabule martwej natury, musisz pamiętać o środkach (przedmiotach), które posiadasz (lub coś dodatkowo kupić), jednocześnie musisz w myślach ułożyć z tych przedmiotów kompozycję, która zadowoliłaby Twój pomysł jak najbardziej.

Etap drugi: przygotowanie miejsca zdjęciowego

Odpowiedni jest wygodny stolik kawowy na kółkach, który można ustawić w żądanej pozycji względem okna lub lampy błyskowej. Stół to tylko podstawa, na zdjęciu nie będzie tego widać. To, co będzie widoczne na zdjęciu za nimi, to tło. Tłem może być gruby arkusz o wymiarach około 200x200 cm, pomalowany z jednej strony na ciemny kolor (wiśniowy, niebieski lub inny), a z drugiej strony pomalowany na jasny kolor (na przykład żółty, oliwkowy). W 90% przypadków to tło będzie dla Ciebie wystarczające. Pod przedmiotami znajduje się mata, która też powinna być inna pod ręką - deski z jasnego drewna, płótno, różne kolory tkanin itp. Bardzo ważne jest, aby tło i mata nie były aktywne i nie wypadły z ogólny ton martwej natury.

Etap trzeci: układanie przedmiotów

Obraz w Twojej głowie zawsze różni się od tego, jak będzie wyglądać w rzeczywistości. Przyczyną tego są drobne rzeczy. Nigdy nie można dokładnie przewidzieć, jakiej wielkości będzie jabłko i jakie będzie jego proporcje w stosunku do czajnika, jak będzie padać światło itp. Dlatego rozmieszczenie przedmiotów jest ucieleśnieniem fantazji, a życie niestety nie jest idealne.

Jakie więc zasady należy znać przy konstruowaniu kompozycyjnym martwej natury?

Po pierwsze, zestawienie czerni i bieli oraz obfitość ostrych, przerywanych linii wywołuje poczucie walki i dramatyzmu.

Po drugie, ciemność na obrazie, która przyciąga wzrok, jest zawsze tajemnicza i niepokojąca. I odwrotnie, obfitość jasnych, gładkich zaokrąglonych linii koi i cieszy oko.

Po trzecie, struktura emocjonalna kompozycji musi być zgodna z tematyką zdjęcia.

Czasami „dopasowywanie” obiektów do siebie zajmuje wiele godzin. Każdy milimetr ma swoje znaczenie. Często zdarza się, że po wyłożeniu wszystkiego na stół pomysł zawodzi. Tak, kompletna porażka, bo w rzeczywistości ta martwa natura wygląda nudno lub źle. Wtedy warto się głowić i wycisnąć chociaż coś z pomysłu. Jeśli kompozycja jakoś się układa, nie należy jej niszczyć, ale raczej udoskonalić i sfotografować.

Bardzo ważne jest, aby ułożyć przedmioty nie chaotycznie, ale w określonej kolejności. Nie oznacza to, że należy je wszystkie ustawić w jednym rzędzie (jak na lekcji wychowania fizycznego – w linii i według wzrostu). Nie, wręcz przeciwnie, w martwej naturze ważny jest „nieporządek artystyczny”, to znaczy należy starać się umieszczać przedmioty w kadrze tak, aby wyglądały interesująco i były postrzegane przez oko jako jedna całość.

Kolejnym ważnym punktem podczas inscenizacji martwej natury jest wybór formatu obrazu. Proporcje obrazu w fotografii to stosunek długości i wysokości ramki lub wydruku. Format może być kwadratowy, poziomy lub pionowy. Kwadratowy format stwarza wrażenie stabilności, statyczny, poziomy - wrażenie szerokości, panoramy, a pion prowadzi wzrok w górę, podkreślając powagę i monumentalność obrazu. Gdy wysokość obiektów, z których składa się martwa natura, jest większa niż jej szerokość, lepiej wybrać format pionowy. I odwrotnie, format poziomy jest bardziej odpowiedni dla takiego zdjęcia.

Jak sprawdzić, czy martwa natura jest dobrze wystawiona? Spróbuj usunąć ten lub inny element. Jeśli jego zniknięcie w żaden sposób nie zaburza ogólnego wrażenia, to jest zbędny. Jeśli poczujesz pustkę, odłóż go na swoje miejsce.

Etap czwarty: ustawienie światła

To długi temat. Chcę tylko powiedzieć, że w zależności od tematu i pory roku możesz robić zdjęcia w świetle dziennym lub z lampą błyskową. W świetle dziennym dobrze jest fotografować owoce i kwiaty z okna, ale „męskie” martwe natury, z książką, fajką, koniakiem, najlepiej fotografuje się z lampą błyskową – daje to poczucie wieczoru lub nocy, samotności i spokoju. Ale wszystko można odtworzyć używając 2 błysków, zmieniając balans bieli itp. Można zastosować odblaski. Bez tego nie będzie jasnego wzoru. To jaki będzie wzór światła zależy od mojego pomysłu i nastroju.

Jak wiadomo, objętość obiektów najlepiej oddać za pomocą oświetlenia bocznego. Teksturę przedstawionych obiektów można delikatniej zarysować za pomocą rozproszonego światła. Często, aby oddać objętość obiektów, samo oświetlenie boczne nie wystarczy. W związku z tym konieczne jest oświetlenie martwej natury światłem wypełniającym, zmniejszając w ten sposób kontrast obrazu. Nie jest tajemnicą, że zwiększony kontrast obrazu może negatywnie wpłynąć na jakość zdjęcia.

Jeśli potrzebujesz na przykład sfotografować martwą naturę z owocami lub kłębkami nici, najlepiej oświetlić ją jednym źródłem światła. W takim przypadku należy zauważyć, że kierunek światła musi być boczny. Aby złagodzić kontrast, użyj bocznych reflektorów.

Do tych celów można użyć zwykłych białych prześcieradeł lub białych arkuszy papieru Whatman. Aby jak najlepiej ukazać najdrobniejsze szczegóły martwej natury, światło z głównego źródła musi koniecznie się przesuwać. Pamiętaj, że bezpośrednie światło nie odda prawidłowo objętości martwej natury.

Fotografowanie martwej natury złożonej ze szklanych przedmiotów jest dość trudne. W zależności od zadań, jakie stawia przed sobą fotograf, obiekty te można oświetlić za pomocą światła bezpośredniego i tylnego.

Fotografowane są te szklane obiekty, które nie mają krawędzi, oświetlając jednocześnie tło. Dzięki temu będziesz w stanie doskonale oddać przezroczystość szkła. Istnieją również inne opcje oświetlenia martwej natury (na przykład światło modelujące, podświetlenie). W każdym konkretnym przypadku o wyborze oświetlenia decyduje sam mistrz.

Fotografowanie części maszyn i poszczególnych mechanizmów można porównać do fotografii martwej natury. W tym przypadku szczególnie interesujące będzie tzw. oświetlenie bezcieniowe. Należy go stosować w przypadkach, gdy konieczne jest usunięcie jakichś drobnych części, np. z zegarka. Fotografowanie odbywa się według następującej zasady: umieść wszystkie detale na szkle, za którym umieść ekran o pożądanym kolorze. Tło powinno kontrastować z tonacją samej martwej natury, to znaczy być od niej jaśniejsze lub ciemniejsze. W ten sposób można lepiej zidentyfikować poszczególne szczegóły.

Fotografia martwej natury kwiatów, warzyw i owoców jest prawdopodobnie najpopularniejsza zarówno wśród fotografów amatorów, jak i profesjonalnych. Podczas fotografowania takich kompozycji charakter oświetlenia powinien pomóc w oddaniu objętości. Umieszczając obiekty na płaszczyźnie fotograficznej, należy wziąć pod uwagę obowiązkowe wymagania dotyczące równowagi kadru, a także integralności i niepodzielności kompozycji.

Etap piąty: strzelanie

Po zamontowaniu lampy i zamocowaniu aparatu na statywie rozpoczyna się etap fotografowania. Filmowanie również nakłada pewne ograniczenia. Na zdjęciu kompozycja może wyglądać nieco inaczej i trzeba ponownie trochę przestawić obiekty, zmienić kierunek światła itp. Etap piąty jest ściśle powiązany z etapem trzecim, więc też zajmuje dużo czasu, plus ustawienia aparatu...

Po uzyskaniu obrazu, który chcesz zobaczyć na ekranie aparatu, zalecamy obejrzenie obrazu na komputerze - na szczęście jest mnóstwo czasu na fotografowanie martwej natury. Najczęściej wykrywane są tutaj drobne wady, na przykład brak ostrości itp.

Fotografując martwą naturę, bardzo ważny jest wybór punktu fotografowania i kąta aparatu. Typowym błędem początkujących fotografów-amatorów jest fotografowanie wszystkiego z poziomu klatki piersiowej. Najczęściej ten punkt strzelania jest najbardziej nieciekawy. Spróbuj usiąść lub odwrotnie, stań wyżej i przechyl aparat pod ostrzejszym kątem.

Etap szósty:leczenie

Obecnie w Internecie nie ma żadnych nieobrobionych zdjęć. W niektórych miejscach jest używany mniej, w innych bardziej. Edytor graficzny otwiera kolejny aspekt kreatywności. 90% schematu przetwarzania składa się z następujących kroków:
- otwarcie pliku RAW i jego edycja;
- nadanie „żywego” kontrastu;
- rozjaśnianie i przyciemnianie określonych obszarów obrazu;
- nakładka tekstury;
- poprawki wykończeniowe takie jak ostrzenie, drobne retusze wad przedmiotu;

Ochrona.

W ten sposób, ogólnie rzecz biorąc, fotografuje się martwą naturę. Mam nadzieję, że było ciekawie. Cała fotografia dla Ciebie!